Belas Músicas e Suas Histórias

#77 - Nascido nas águas de janeiro

2010-07-29T10:31:00.004-03:00

Ele tinha que nascer das águas, entretanto o conserto de um cano na região ditava a secura dos dias. Exatamente por isso os céus enviaram chuvas torrenciais naquela noite em que o carioca Tom Jobim nasceu. 25 de janeiro de 1927.

Regido pelos signos contemplativos e viajores da natureza, água e ar, Tom desde cedo aglutinou-se ao mar e aos vôos da imaginação. Até isso ganhar função criativa quando, aos 14 anos, deparou-se com um piano na garagem de sua casa.

Para ele, piano era coisa de mulherzinha. Está aí a prova de que seu destino era claro, pois o rapazinho não conseguiu largar o piano desde então, chegando a estudar às vezes 10 horas por dia.

Com dedicação, experimentava acordes, queria ser concertista, porém seus professores o aconselhavam a tornar-se compositor. Esta centelha só se concretizaria muitos anos depois. Ainda era um "janeiro". Depois de um "fevereiro" trabalhando como arranjador e especializando-se em orquestração, então chegaram as águas de março.

Tom Jobim pôde então encantar o mundo com músicas cujas melodias percorriam caminhos imprevisíveis, embalados por harmonias por vezes nostálgicas, melancólicas e eufóricas. Um bom exemplo da riqueza harmônica, ou do que eu chamaria de "sensação de reviravoltas musicais" de Tom, é a canção "Passarim":

Tom Jobim - Passarim:

www.youtube.com/watch?v=P6BihqBdBAA

Bom proveito!

#76 - Tão bela que enfada, ou tão ruim que encanta?

2010-07-22T18:18:00.007-03:00

Poderia uma música ser mundialmente adorada, e ao mesmo tempo figurar entre as piores canções?

Situações como esta são até compreensíveis em casos muito específicos e polêmicos. Por exemplo: embora certos gêneros (pops radicalmente comerciais, funks, etc.) tenham fama, existe um contingente proporcional ou maior, que os critica como sendo material artístico inferior, duvidoso, e até mesmo estupidificador. Sem entrar em questões de certo ou errado, é compreensível.

No entanto, o que pensar quando uma canção realmente interessante, melódica, harmônica, é alvo de tantas listas de piores músicas? A canção "Mmm Mmm Mmm Mmm", lançada em 1993, é exemplo clássico dessa estranha dualidade. Apesar de projetar a banda Crash Test Dummies ao estrelato, caiu em pelo menos três importantes listas de músicas ruins (da VH1, da Rolling Stone e da Blender).

Embora particularmente muito bela, contém elementos que podem fazê-la parecer, sei lá, aquele galã de novela que manca e tem caspa; ou aquela musa da TV que tem chulé ou bafo de bode...

Se é a voz bizarra do cantor Brad Roberts, se é a letra esquisitíssima (que fala de crianças que sofrem os mais esdrúxulos problemas, como cabelos brancos, marcas de nascença ou a obrigação de sacudir-se artificialmente em cultos de igreja), o certo é que "Mmm Mmm Mmm Mmm" não passa em branco a nossos ouvidos.

Em toda sua estranheza, eu gosto. E vocês?

Crash Test Dummies - Mmm Mmm Mmm Mmm:
www.youtube.com/watch?v=yhuPiBZHvLE

Bom proveito!

#75 - Kala Marka - Nuevo Mundo. Mundo Nuevo

2010-07-14T11:56:00.005-03:00

Como amante incondicional de música andina, eu não poderia deixar de compartilhar com vocês esta que é para mim, até o momento, a empreitada musical mais bela dos últimos anos.

Aparentemente alguém resolveu juntar o grupo boliviano Kala Marka, uma orquestra, coral com mais de cem crianças para tocarem músicas tradicionais andinas.

Peço desculpas pela escassez de informações que ainda tenho a respeito da iniciativa. Quem sabe quando minha cópia do DVD chegar da Bolívia (já foi encomendada! Vivas!) haja nele maiores detalhes.

O que sei é que tal concerto resultou em interpretações que certamente os músicos tradicionais andinos nunca vivenciaram, e numa sonoridade tão rica quanto pura. Pura como essa cultura nunca deve deixar de ser.

Agora deixa eu mostrar algumas de minhas preferidas:

India Leñera:
www.youtube.com/watch?v=YyOvQxY3JSY

Malacun Wawapa:
www.youtube.com/watch?v=wjWOdeWTgvE

Cancion y Hayno:
www.youtube.com/watch?v=mk3li1jFJ7s

El Dorado:
www.youtube.com/watch?v=VJbpqBXFnc8

Bom proveito!

#74 - Libertango

2010-07-14T11:22:00.004-03:00

Numa noite como outra qualquer, o músico argentino que andava por aquela rua talvez jamais imaginasse que seria violentamente abordado e agredido.

Assalto? Sequestro? Nada disso... A vítima era ninguém menos que Astor Piazzolla, e seu crime - segundo os berro do agressor - era estar destruindo o Tango.

É de causar suspeitas (muito positivas, a meu ver) se toda uma classe de músicos ortodoxos parte em cruzada contra alguém que esteja supostamente modificando as bases de um estilo culturalmente muito arraigado.

No caso de Astor Piazzolla (Mal Del Plata, 1921-1992), não existem mais suspeitas quanto ao valor de sua revolução. A prova está no que o próprio Tango, em sua paixão e calor mais intensos, é hoje em dia.

Na obra deste incrível compositor e instrumentista, o frenesi trágico transfere-se para cada fibra das harmonias e melodias. E se você se deixa envolver por elas, pode até sentir um gosto de transgressão que, talvez, foi o que inundou as almas de seus opositores do passado. Seria inveja?...

Astor Piazzolla - Tanguedia:
www.youtube.com/watch?v=3VWfsea7tnw

Astor Piazzolla - Libertango:
www.youtube.com/watch?v=RUAPf_ccobc

Bom proveito!

#73 - Um Compositor Titânico

2009-12-01T10:14:00.006-02:00

Normalmente os diretores de filmes, por mais que acreditem num novo trabalho, não tem qualquer certeza de que ele será um sucesso. Isto acontece mesmo com filmes que hoje temos como obras-primas.

Uma delas, bastante premiada e aclamada, foi uma exceção quanto à expectativa de seu diretor. Mel Gibson, já exausto e a poucas semanas de estrear o filme que dirigia e estrelava, tinha convicção de que ali estava algo muito especial. Acontece que ainda havia um importante detalhe a ser adicionado a seu tão querido “filho”: trilha sonora. O receio de Mel Gibson, de que a música não atingisse a sensibilidade e grandeza necessárias a seu filme fez com que ele até especulasse deixar algumas cenas sem música, com receio de que ela as arruinasse. Felizmente, quem assistiu “Coração Valente” (1995) já sabe que esse drama (o do diretor, claro) teve um final mais que feliz.

Contratado para compor a música do filme, o americano James Horner emocionou Mel Gibson a ponto dele afirmar que estava diante de uma das trilhas sonoras mais belas da história. A exemplo disso, basta uma olhada nessa pequena cena: (www.youtube.com/watch?v=YzRx_qUWjOw).

De fato, o filme ganhou cerca de 20 prêmios cinematográficos. Aí vão dois temas completos:

James Horner – “A Gift of a Thistle & The Secret Wedding” (Coração Valente):
http://www.youtube.com/watch?v=Vgw1DqgtI0E&feature=related

Mesmo com trabalhos tão expressivos, James Horner talvez seja o compositor cinematográfico mais criticado e controverso. A maior acusação que os críticos (ou músicos frustrados, talvez...) lhe fazem é o fato dele reutilizar material de suas trilhas anteriores, ou de ser um tanto repetitivo. Sinceramente, não vejo problema num músico copiar a si mesmo, visto que existe, além de tudo, certas dificuldades jurídicas em se processar a si mesmo por plágio...

O maior exemplo da citada reutilização são as duas trilhas a seguir. Repare que ambas são a mesma música, com arranjo levemente adaptado:

James Horner – The Machine Age (Introdução de “O Homem Bicentenário”):
http://www.youtube.com/watch?v=quINm_8HrKg

James Horner – A Kaleidoscope of Mathematics (Uma Mente Brilhante):
http://www.youtube.com/watch?v=mZI3VWSu0nM

A fantástica trilha de abertura do filme “O Homem Bicentenário” chamou muito a atenção do diretor Ron Howard, quando ele dirigia o filme “Uma Mente Brilhante”, achando que a faixa poderia ilustrar o interior da mente do personagem John Nash com a dose perfeita de loucura e beleza. Aliás, a voz feminina que ouvimos nesta versão pertence a Charlotte Church, a mesma garota que participou da canção de abertura da novela Terra Nostra, talvez muitos se lembrem...

Ah, e só para evitar a falta da citação, vale lembrar que sua trilha mais popular talvez seja a do filme "Titanic" (inclusive a canção interpretada por Celine Dion).

Bom proveito!

#72 - Dia das Crianças

2009-10-12T11:00:00.003-03:00

É bem provável que pouca gente pusesse fé que um rapaz nascido no Cairo, cantor mediano e tocador mediano de violão, pudesse ir para o Canadá para viver de música. E os anos de busca infrutífera de Raffi (seu nome, dado pela mãe em homenagem a um poeta) por sucesso pareciam estar corroborando as tristes expectativas.

Raffi não se destacava quando arranjava algum lugar para tocar, e eles estavam começando a escassear. Porém, em meados da década de 70, logo antes que ele arrancasse os cabelos em desespero, um convite inesperado e casual apareceu. De início a empolgação tomou conta de Raffi, mas o revés veio imediato: a proposta era uma apresentação numa escola de Toronto, para uma platéia de crianças.

Apesar de muito reticente, ele decidiu aceitar o inusitado desafio. Incrivelmente, sua apresentação foi um sucesso tão grande que, do dia para a noite, Raffi ganhou uma carreira no mundo das músicas para crianças. Ao longo da década de 70 e 80, suas composições, carisma e simplicidade arrebataram milhões de fãs (mirins e adultos), não só nos EUA, mas em todo o planeta.

Atualmente, Raffi é um dos grandes nomes na luta pelos direitos das crianças, causa pela qual já foi premiado inúmeras vezes.

Embora não esteja mais fazendo shows, o molde de suas apresentações vem sendo mantido por alguns outros artistas. No Brasil, um bom exemplo disso é o grupo “Palavra Cantada”.

No Youtube, há um show clássico de Raffi na íntegra. Aí vai uma das partes:

Raffi – A Young Children’s Concert (parte 2):
http://www.youtube.com/watch?v=z1jhz50lW8I

Palavra Cantada – “Sopa”:
http://www.youtube.com/watch?v=Q7KctMnADEw

Abraços a todas as crianças crescidas ou não!

Michael Jackson (1958 - 2009)

2009-06-25T22:59:00.003-03:00

Ao pensar sobre a partida deste artista tão querido por todos, o que fica não é só uma estranha angústia (reflexo de se testemunhar um milagre de arte que pousou no mesmo planeta que eu e o deixou), mas também uma enorme gratidão.

Ele teve talento o bastante para juntar-se àqueles dotados que mostram ao mundo que a arte é sempre maior do que o próprio corpo, do que a própria existência física. E isto é facilmente constatável quando nos damos conta de que a beleza e o encantamento que nos proporcionou sempre foi muito maior do que sua dor tão humana, e seus conflitos tão mortais.

A arte é sempre maior do que nossos corpos, nossas dores e nossos comportamentos. Ela está acima de qualquer rumor, qualquer mentira, ou qualquer imperfeição do homem. Ela é a parte divina em nós, e alguns gênios têm o privilégio de revelar isso aos seus companheiros de jornada, fulminando-os e encantando-os com vozes e movimentos.

Obrigado, Michael, por ter feito sua parte por um mundo bem mais bonito.

Aí vão minhas preferidas:

Michael Jackson – Smooth Criminal:
http://www.youtube.com/watch?v=2WjOn5TNjBM&feature=fvst

Michael Jackson – Human Nature:
http://www.youtube.com/watch?v=Pjzer9dUWmg

Michael Jackson – Heal the World:
http://www.youtube.com/watch?v=W61Q-EZ8R7M

Michael Jackson – Remember the Time:
http://www.youtube.com/watch?v=sHAj5o0rdVE

#71 - Rock, Duque e um cavalo

2009-05-12T14:40:00.001-03:00

Existem muitas bandas de rock que tem pretensão de serem politizadas. Que atribuem a si mesmas uma parcela na conscientização da juventude através de seu som supostamente inovador ou letras supostamente revolucionárias.

Há outras, no entanto, que acabam sendo rotuladas efusivamente como tal, sem qualquer intenção que não a música. Por exemplo, quem estivesse assistindo a uma corrida de cavalos, se encantasse pelo vigor e velocidade do campeão, e sugerisse inocentemente aos amigos: “Ei, que tal botarmos o nome desse cavalo na nossa banda?”, por algum acaso estaria pretendendo criar algum movimento político, ou fazer honras saudosas a um mártir revolucionário?

Foi exatamente o que ocorreu com a banda escocesa Franz Ferdinand. O cavalo campeão chamava-se Archduke Ferdinand. Acontece que o dito cujo havia sido batizado em homenagem ao arquiduque autríaco Franz Ferdinand, cujo assassinato em Sarajevo, em Junho de 1914, desencadeou uma série de eventos que levaram ao estouro da 1ª Guerra Mundial.

A banda Franz Ferdinand fez questão de dizer que escolheram o nome pela sonoridade, e só. Nada mais preciso, afinal (correndo o risco de ser óbvio e piegas), foi pela sonoridade, e não por ideologias, que a banda tornou-se um marco no ano de 2004, já com o lançamento do primeiro álbum. E não seria justo dizer que eles recuperaram uma sonoridade perdida no rock dos anos 80, já que diversas bandas sempre o fizeram ao longo dos anos... mas se estabelecermos que tais proezas só merecem ser atribuídas a quem faz algo realmente competente, então a informação é válida.

Aí vão minhas favoritas:

Franz Ferdinand – Walk Away:
http://www.youtube.com/watch?v=qII2RBVcEKQ

Franz Ferdinand – Take me Out:
http://www.youtube.com/watch?v=x_9GR9kdZ3o

Bom proveito!

#70 - O Rei das Galhofas

2009-05-12T13:48:00.003-03:00

Ironia do destino, ou não, a descoberta da música na vida do compositor alemão Jacques Offenbach, considerado um dos maiores mestres da comédia musical, deu-se de forma bastante cômica, como não poderia deixar de ser.

Seu pai era violinista, mas em 1826, aos sete anos de idade, Offenbach deparou-se com um violoncelo. Ficou estupefato com aquilo, dizendo que aquele era o maior violino que ele já vira na vida. Após esgotar a mente na busca de uma resposta para o porquê de um violino precisar daquele tamanho todo, passou a uma busca infrutífera por encontrar um modo de posicioná-lo ao ombro. Não encontrando solução possível, deitou o instrumento ao chão e passou a experimentar o som das cordas ali mesmo. Imediatamente, a sonoridade abrangente, muito similar à voz humana, fez o menino tomar uma decisão.

Em pouco tempo, o pequeno Offenbach demonstrou extremo talento para música, e já aos doze anos era considerado um virtuose no violoncelo. Passou alguns anos tentando ganhar a vida sozinho, como violoncelista, e chegou a estudar composição num conceituado conservatório. Mas apenas um ano bastou para que ele não suportasse as regras rígidas do local, e fugisse de lá para abrigar-se naquele que seria o portal para o universo que o tornaria mundialmente famoso: a ópera cômica.

As operetas eram óperas bem mais curtas e estritamente voltadas à comédia. O público que as freqüentava constituía-se das classes mais pobres, que se deleitava com a absurdidade das situações, as canções simples e as críticas ao modo de vida dos ricos. Jacques Offenbach rapidamente criou e compôs suas próprias operetas, e estas levaram abaixo, repetidas vezes, uma platéia cada vez maior e mais fiel ao músico.

A seguir, sua composição mais famosa, “Can Can”, largamente utilizada até os dias atuais em vários filmes, desenhos etc..

- Jacques Offenbach – “Can Can”:
http://www.youtube.com/watch?v=swmR_cPrHvY

- Jacques Offenbach – “Chanson Militaire”:
http://www.youtube.com/watch?v=M9ZPKEF2k0M

- Jacques Offenbach – “Barcarolle”:
http://www.youtube.com/watch?v=fepL7ez06ew

Bom proveito!

#69 - Imagem é quase tudo...

2009-04-20T16:02:00.002-03:00

É uma grande ironia saber que o primeiro produtor da banda iniciante The Cure, pelos fins da década de 70, tencionava fazer com que o grupo não tivesse apelo de imagem. Irônico, mas compreensível.

Irônico porque quando se fala em The Cure o que vem à nossa mente é exatamente a imagem forte do grupo, concentrada sobretudo no líder, compositor, guitarrista, pianista e vocalista Robert Smith; e compreensível porque, na verdade, Chris Parry queria aparentemente desfazer um transtorno inicial causado por um importante concurso musical que o The Cure venceu, mas cujos louros (uma gravação oficial) nunca concretizaram-se sob alegação de que a banda só havia vencido por causa da imagem forte que passava.

No fim das contas, o que mais importava (a música) acabou tomando primeiro plano na história toda, e o The Cure alcançou extraordinário sucesso no mundo todo.

A preocupação excessiva com uma sonoridade legítima, mais o fato de Robert Smith ser o cabeça da banda, resultaram em inúmeras modificações na formação da banda, tanto que, atualmente, o único integrante que permanece desde a formação original é o próprio Robert.

Nas músicas, essa concentração criativa se reflete em muitos aspectos que tornam a sonoridade do The Cure interessante. Cada canção é muito precisa e ensimesmada, uma espécie de mosaico cíclico. E claro, uma das marcas registradas do grupo, indício também do valor de Robert como grande melodista: quase todas elas são introduzidas e entremeadas por uma frase limpa de guitarra.

Eis minhas preferidas:

The Cure – "Friday I’m in Love":
http://www.youtube.com/watch?v=TSmfNxmaQHc

The Cure – "A Forest":
http://www.youtube.com/watch?v=NYzQpNol-yo&feature=related

The Cure – "Lullaby":
http://www.youtube.com/watch?v=tYtYe9K6zv4&feature=related

Bom proveito!

#68 - S.O.S. para o Céu

2009-04-13T09:35:00.003-03:00

O indivíduo que já conhece uma tal cantora e compositora chamada Issa, sabe que ela é um dos grandes nomes da música que engrossa a fileira dos artistas contrários à soberania e abuso da poderosa indústria fonográfica.

Há poucos anos, Issa adotou a postura de disponibilizar todas as suas músicas para que os interessados pudessem comprá-las pelo preço que lhes desse na telha. Isto não só como forma de viver de sua arte segundo os padrões de seus próprios fãs, mas também como meio de auxiliar a natureza, evitando que suas obras demandassem a produção de toneladas de plástico para serem distribuídas ao mundo.

Esta ideologia, no entanto, não tem longa data na vida de Issa. Este estado de consciência veio-lhe repentinamente, lá pelo início dos anos 90, quando sua carreira musical guinou significativamente para algo mais leve e espiritual.

Alguns dizem que uma música em especial pode ser considerada a perfeita linha divisória entre Issa e Jane Siberry (seu nome verdadeiro). Trata-se da belíssima “Calling All Angels”. Qualquer um que tenha assistido “A Corrente do Bem”, com certeza se lembrará desta canção, já que ela envolve a cena final do filme com uma sensibilidade da qual é impossível sair ileso...

- Jane Siberry (nome atual Issa) – “Calling All Angels”:
http://www.youtube.com/watch?v=7L3UY_xnhw4&feature=related

Bom proveito!

#67 - Lista Negra / O Vôo da Mamãe Coruja

2009-03-31T12:12:00.007-03:00

Falando sobre trilhas sonoras, é muito raro assistirmos a um filme ruim que tenha uma boa música. Isto fica óbvio ao lembrarmos de que a música vem a partir do filme, e não o contrário. Assim, não é exatamente uma coincidência percebermos que quase todos os grandes filmes da história (novos ou antigos), têm também ótimas trilhas sonoras. Aproveitando então a temática da escrita, gostaria de abordar boas músicas a partir dos criadores das estórias que vieram a inspirá-las.

Um dos fatos mais curiosos do meio roteirístico hollywoodiano ocorreu em 1957. Era noite de entrega do Oscar, e um homem assistia à transmissão com a filha pequena. Chegando o momento do prêmio para melhor roteiro original, o vencedor foi um tal e ausente Robert Rich, pelo roteiro de “The Brave One”. A menina, que assistia pela TV com o pai, gritou contente: “Nós vencemos, pai! Vamos buscar o prêmio amanhã! Vamos?”, ao que ele respondeu: “Infelizmente não podemos, querida...”. Este homem era Dalton Trumbo. Seu pseudônimo Robert Rich fora usado como forma de transpor o terrível embargo que ele e outros roteiristas sofreram da indústria quando o governo norte-americano resolveu procurar comunistas dentro do cinema. Após ser colocado numa lista negra, por se recusar a delatar companheiros supostamente comunistas, Dalton passou a ser evitado pelos estúdios e após passar meses numa prisão, foi solto para permanecer numa batalha infrutífera para arrumar trabalho.

Aquele Oscar misterioso, ganho por ele, tornou-se um símbolo no meio cinematográfico, e trouxe à tona uma profunda reflexão sobre a tal Lista Negra. A partir daquele prêmio, alguns profissionais dos grandes estúdios passaram a desafiar os tratados de “embargo” propostos pelo governo, e aos poucos Dalton Trumbo e outros roteiristas puderam voltar a trabalhar.

Um dos primeiros filmes escritos por Trumbo após sua volta oficial ao cinema foi “Exodus”. Este filme gerou uma trilha sonora cujo tema principal é ainda hoje aclamado como um dos mais belos já feitos para a Sétima Arte:

- Ernest Gold – Exodus:
http://www.youtube.com/watch?v=jsmZeo1Tc9A&feature=related

Outra maravilha musical, retrato sonoro vívido e brilhante de um mundo mágico, tem uma origem que não deixa de ser, também, bastante dramática.

Antes de ser publicada, a escritora J.K. Rowling, criadora da série de livros Harry Potter, vivia uma rotina constante entre a luta para sair da miséria e a depressão. Sua melancolia sobre a própria condição e suposta incapacidade chegou ao ponto dela, por alguns meses, acordar de manhã e ficar surpresa com o fato de sua filha pequena ainda estar viva.

Hoje em dia, já consagrada, estima-se que o auxílio de Rowling a causas em defesa das crianças e das mulheres já somem o equivalente a astronômicos 200 milhões de dólares.

Transposta para o cinema, a saga de Harry Potter ganhou uma ambientação musical que já é considerada um clássico, criada por ninguém menos que John Williams. Mestre absoluto em gerar melodias marcantes, John carimbou na série o tema batizado de “Hedwige’s Theme”. A música propõe a leveza e beleza do vôo da coruja branca, e estou quase certo de que o tema tem uma pitada de inspiração em Lago dos Cisnes. Vejamos:

- John Williams – Hedwige’s Theme:
http://www.youtube.com/watch?v=UhL2HRAVKZs

- Tchaikovsky – Lago dos Cisnes:
http://www.youtube.com/watch?v=1ea90L91eZk

Bom proveito!

Notícias pessoais

2009-03-24T19:04:00.008-03:00

Olá, amigos e amigas!

Neste domingo estreou, no Teatro Juca Chaves, a segunda parte da trilogia teatral adaptada dos livros "O Amor Jamais Te Esquece", "A Força da Bondade" e "Sob as Mãos da Misericórdia".

O livro 2, "A Força da Bondade", transformou-se numa peça emocionante e dramática, sob direção de Marco Nicolatto, o líder da Cia. Operários do Palco, da qual faço parte.

Como o blog é sobre música (embora declaro ser esta uma digressão no tocante ao título do mesmo) gostaria de apresentar a vocês algumas das músicas que compus para o espetáculo. Tratam-se de "O Circo Romano" e "Romance e Drama", postadas em:

www.tramavirtual.com.br/barcamor

Para maiores detalhes, acessem: http://www.operariosdopalco.com.br/

Ouçam e vão assistir!

#66 - O Canto das Montanhas

2009-03-02T18:25:00.007-03:00

É estranho como nós, quase sem perceber, voltamos boa parte de nossa apreciação das músicas aos intérpretes. Não há dúvidas de que o talento dos músicos, cantores, serve não só para materializar algo que pulsa temporariamente no mundo abstrato, como também para dar às músicas diferentes níveis de brilho e riqueza.

Um fato causou uma inversão de valores em mim, quanto a este assunto. Ao tomar contato com a belíssima contribuição do grupo brasileiro Tarancón, percebi que as espetaculares canções folclóricas andinas (sobretudo bolivianas) perdiam completamente o encanto na voz de intérpretes refinados.

Ao serem ouvidas, por outro lado, sob o espírito de artistas menos “dotados” (na falta de outro termo), que expressam simplicidade em suas performances, tudo ganha um espírito real e muito envolvente.

Talvez isto se deva ao fato da arte andina ter por princípio, mesmo sob temas tristes, a expressão da alegria e do pulsar vigoroso da vida. A cultura musical, sobretudo, prestava-se a reuniões familiares, de companheiros, ou seja: comunhão.

É sempre muito difícil descobrir quem são os autores de músicas tradicionais ou folclóricas. Mas fica aqui uma reverência ao citado grupo Tarancón, sem o qual muitas destas obras-primas ficariam relegadas em seus locais de origem.

- Minha preferida: “Boquita de Cereza”:
http://www.youtube.com/watch?v=ujEoQP_UlQc

- Canção de protesto: “Pobre Mi Gente”:
http://www.youtube.com/watch?v=PoEMraUFqfU

- A respeito do rito de rua Tinku, que prepara jovens para a fase adulta “El Tinku”:
http://www.youtube.com/watch?v=PuciXZkFIMI

- Adendo, "Ojos Azules", que tanto procurei há algum tempo e só agora encontrei:

http://www.youtube.com/watch?v=c_y5vKfwhQc&feature=related

- "Sariri":

http://www.youtube.com/watch?v=-TvvD-ZihTk&feature=related

Bom proveito!

#65 - Metralhadora de Hits

2009-03-02T18:00:00.004-03:00

Na época da convocação do pobre jovem Tony Hatch para o exército inglês, os mais dramáticos poderiam ter pensado: “estão pondo em perigo a carreira de um grande músico!”. Mas o que houve foi exatamente o contrário.

Tony Hatch já vinha se mostrando talentoso na arte de compor canções, e embora tivesse lidado com diversas oportunidades anteriormente, exatamente após retornar do exército, em 1959, é que sua carreira deslanchou para o estrelato.

O fato é que o cotidiano no “Serviço Nacional” não o afastou da música. Além de desenvolver atividades com a banda dos soldados, ficou conhecendo a mágica especial que embebia os eventos musicais promovidos pelo exército, em que talentosas cantoras tiravam os soldados por alguns instantes, com suas vozes e encantos, daquele estado de tensão e brutalidade.

Foi provavelmente assim que Tony Hatch conheceu Petula Clark, magnífica cantora que viria a atingir o topo das paradas musicais gravando várias pérolas do compositor.

Algumas delas:

“Call Me” – interpretada por Donna Loren:
http://www.youtube.com/watch?v=bSaM8WbscYk

“Downtown” – na voz de Petula Clark:
http://www.youtube.com/watch?v=FKCnHWas3HQ&feature=related

Bom proveito!

#64 - Gênio e Louco (Redundância?)

2009-02-20T10:05:00.004-03:00

Frequentemente, quando nos propomos a observar a vida dos grandes gênios musicais dos tempos passados, nos deparamos com descrições bastante intensas sobre comportamentos excêntricos, bizarros... o que nos faz concluir (em nosso costume de generalismo) que os compositores clássicos eram todos um bando de malucos.

Ainda assim, estes grandes mestres conseguiam fechar trajetórias razoáveis, de uma forma ou de outra. O que dizer então se nos deparássemos com um desses marcos da música que fosse oficialmente vestido em camisa-de-força? Bem, diríamos, esse deve ter realmente passado dos limites! (limites bem generosos quando o assusto é o espírito artístico, convenhamos).

Robert Alexander Schumann, pianista e um dos compositores alemães mais venerados da história, teve uma vida de grandes azares. Ainda assim, para compensar, as forças do destino lhe concederam a bênção de não ser solitário – característica comum de seus colegas. Em 1830, contando vinte anos de idade, juntou-se ao professor de piano Friedrich Wieck. Ao deparar-se com o talento de Schumann, Wieck escreveu a um parente do rapaz dizendo: “em três anos posso torná-lo o melhor pianista de toda a Europa”. E Schumann, ao deparar-se com a filha de Wieck, Clara, apaixonou-se imediatamente.

Clara tinha nove anos de idade, e demonstrava extremo talento ao piano. Wieck desejava transformar Schumann em um solista. Schumann desejava ser compositor. A vontade de Schumann prevalesceu não por rebeldia, mas pela ironia do destino: o rapaz, por si mesmo, treinou tanto e tão pesado que arruinou um dos dedos.

Quando Clara completou 16 anos, Schumann finalmente conseguiu realizar seu sonho de casar-se com ela, o que vinha sendo violentamente contestado por Wieck. A união tornou-se uma das maiores bênçãos na vida de Schumann, já que as talentosas interpretações de Clara para as composições pianísticas do marido alimentavam o ânimo de Schumann a direcionar seu gênio rumo a uma revolução na música.

Uma de suas obras destaca-se como sendo um resumo de toda a sua maestria, virtuosismo e inspiração. Trata-se do 3º Movimento de seu Concerto para Piano em Lá Menor. A riqueza de liberdade, de texturas, de tonalidades, criam nesta obra-prima um vitral musical luminoso e intrigante. É o tipo de música que certamente enriquece o ser humano que busca decifrá-la... Tentemos:

- Schumann, Piano Concerto em Lá Menor, 3º Movimento:
http://www.youtube.com/watch?v=mSt_AjvCo8s&feature=related

Esta matéria tem relação com o post #27:
http://barcamor.blogspot.com/2008/05/27-o-cavalheiro-solitrio.html

Bom proveito!

#63 - Com quantos versos se faz uma canção...

2009-02-20T09:07:00.003-03:00

Em 1995 acontecia mais uma edição do Festival Eurovisão, um concurso de canções televisivo dos mais importantes do mundo, com uma audiência que já chegou a centenas de milhões de espectadores. Como sempre, vários países, não só da Europa, estavam com suas canções originais inscritas e seus respectivos intérpretes.

No ano citado, em especial, algo ocorreu de intrigante... Dentre todas as belas canções apresentadas, foi escolhida como vencedora absoluta a de uma dupla formada por uma violinista e um pianista. O detalhe que chamou a atenção sobre esta vitória foi que a tal música dificilmente poderia ser denominada como “canção”, e não tinha mais do que três ou quatro pequenos versos, em poucos segundos de voz no início e final de uma obra absolutamente instrumental.

Seria muito comum, num caso desses, que houvesse uma grande polêmica, e que os “maus perdedores” protestassem contra o resultado, talvez até com razão. Mas ninguém se levantou para contestar a vitória de “Nocturne”, e foi a partir dela que a dupla Fionnuala Sherry e Rolf Løvland (ela irlandesa, ele norueguês) surgiu para o mundo, sob o nome de Secret Garden.

Ouvindo a citada música, compreendemos por que coube aos demais apenas resignarem-se...

- Secret Garden – “Nocturne”:
http://www.youtube.com/watch?v=iqF9iqBZKv0&feature=related

- Secret Garden – “Song from a Secret Garden”:
http://www.youtube.com/watch?v=wasYNNfnfVE

Bom proveito!

#62 - "Sorria", a última mensagem do Vagabundo.

2009-02-11T17:31:00.003-02:00

Aqui neste humilde blog já foram retratadas dezenas de obras belíssimas, bem como seus criadores. Alguns deles me são especialmente caros, e ainda assim pude formular algo a respeito deles.

Mas tentar falar qualquer coisa sobre Charlie Chaplin conseguiu me causar, pela primeira vez, uma completa sensação de impotência textual. Diante de tão sublime espírito, as palavras parecem sacrilégio, e se recusam a surgir...

Passo então para o objetivo central deste post, que é a expressão da criatividade musical de Chaplin. Trata-se das canções compostas por ele para o último filme com seu famoso personagem Vagabundo: “Tempos Modernos”.

- “Smile” na voz de Nat King Cole:
http://www.youtube.com/watch?v=5sqLRNVmR44

- “Smile”, versão do filme:
http://www.youtube.com/watch?v=Ps6ck1ejoAw

- “A Non-Sense Song” (primeira vez que se ouve a voz de Chaplin no cinema):
http://www.youtube.com/watch?v=eZhSvSvMBgU&feature=related

Sorria...

#61 - Xís

2009-02-11T17:22:00.003-02:00

Convenhamos que os fãs de bandas ao estilo da Symphony X automaticamente adivinhariam a nacionalidade de seus membros... Algo entre Nova Zelândia, Alemanha, ou algum desses países geradores profícuos desse gênero de músicos.

Convenhamos também, entretanto, que os próprios compatriotas do Symphony X, os norte-americanos, os rotulariam do mesmo modo, já que são praticamente desconhecidos na própria casa.

Nem o líder da banda, Michael Romeo (compositor principal e extraordinário guitarrista), consegue definir bem o som do grupo, mas o nome nos dá o plano geral. “Symphony” (sinfonia) revela forte influência clássica/erudita, e o “X” é algo que sabemos ser muito apreciado por fãs de ficção científica ou temas misteriosos e mitológicos. Essas podem ser as linhas gerais.

Talvez pudéssemos enumerar vários outros grupos tão ou mais técnicos instrumentalmente do que o Symphony X... e olhe que eles são bastante refinados, mas o que destaca a banda de todas as outras é uma genialidade melódica singular, e constantemente nos deparamos, ouvindo suas músicas, com trechos magníficos e inspiradores, como:

- O refrão de “The Accolade”, que só vem aos ‘3:35:
http://www.youtube.com/watch?v=SdeijfndRTA

- A hipnose rítmica de “Communion and the Oracle”:
http://www.youtube.com/watch?v=jkRO3lzA2YY&feature=related

- A sublimidade após o frenesi aos ‘3:31 em “The Edge of Forever”:
http://www.youtube.com/watch?v=j0f89fcIayw

Bom proveito!

#60 - A banda de um homem só

2008-12-31T13:02:00.004-02:00

Uma situação hipotética...

Imagine que eu te convide, empolgadíssimo, para ir comigo a um show. Você me pergunta do que se trata, e eu respondo que é de um cantor maravilhoso, filho do primeiro barítono negro a obter reconhecimento. Digo que é imperdível, já que o homem tem uma capacidades vocal extraordinária (cerca de 4 oitavas), e que além de tudo detém uma misteriosa técnica oriental de vocalizar, sozinho, mais de uma nota ao mesmo tempo.

Talvez você fique empolgado. E lá vamos nós, felizes.

Agora, o que você sentiria se, ao chegar ao tal show, se deparasse com um palco absolutamente vazio? E o que pensaria, então, quando entrasse finalmente o tal cantor, e ele viesse com nada além de um microfone, e começasse a fazer uns passinhos desajeitados, e a soltar uns murmúrios sem sentido?

E se eu garantisse que, nos dois minutos seguintes você já estaria provavelmente com vontade de aplaudi-lo de pé?

Acreditaria? Então veja com os próprios olhos, e ouça com os próprios ouvidos...

Com vocês, o maestro Bobby McFerrin:

Improvisação:
http://www.youtube.com/watch?v=MVVUMNv1t9w

Invenções Espontâneas:
http://www.youtube.com/watch?v=5VfyMPHzYdQ&feature=related

“Bobby McFerrin – Drive”:
http://www.youtube.com/watch?v=LtXrKo8Btfc&feature=related

“Bobby McFerrin – Ave Maria”:
http://www.youtube.com/watch?v=PgvJg7D6Qck&feature=related

Bom proveito!

#59 - Basil - O Bárbaro

2008-12-31T10:00:00.004-02:00

Eu aposto com toda segurança: se você perguntar a qualquer fã de RPG ou temas medievais, qual é a trilha sonora favorita dele, o indivíduo que não responder “Conan – O Bárbaro” só o fará por nunca tê-la ouvido.

Esta obra musical antológica foi composta por Basil Poledouris, um grego criado nos EUA entre o som do órgão de sua igreja, alguns pequenos encargos eclesiásticos e aulas de piano.

O que mais impressiona no estilo de Basil é sua capacidade de mergulhar tão fundo, e com tanta propriedade, em aspectos extremamente distintos da música. A trilha de “Conan – O Bárbaro” é um resumo desta sua genialidade, que vai das mais potentes forças telúricas ao mais sublime lirismo.

Sua filmografia (curta para um artista de seu nível) também reflete esse extremismo, já que nela há necessariamente filmes bastante adversos entre si (“Conan” e “Free Willy”, ou “Robocop” e “A Lagoa Azul”).

A seguir vão links para sua obra-prima, algumas de minhas partes favoritas de “Conan – O Bárbaro”. Por último posto um vídeo raríssimo, feito por um espectador: o próprio Basil regendo seu tema mais famoso e recebendo uma das mais longas ovações de sua vida, pouco antes de falecer em 2006.

“Conan, O Bárbaro – Anvil of Crom”:
http://www.youtube.com/watch?v=sHDmXtW9Yx0

“Conan, O Bárbaro – Theology / Civilization”:
http://www.youtube.com/watch?v=Gur7kJythgM&feature=related

“Conan, O Bárbaro – Wifeing”:
http://www.youtube.com/watch?v=4HOauI2KBS0

Basil Poledouris regendo:
http://www.youtube.com/watch?v=NaBBQsRvwkU&feature=related

Bom proveito!

#58 - Boas Festas!

2008-12-24T09:26:00.005-02:00

Gostaria de, em primeiro lugar, desejar a todos um Feliz Natal. E em segundo lugar, gostaria de sugerir que, em meio a tantas correrias naturais pelos produtos costumeiros das Festas, todos pudéssemos, no mínimo, tirar alguns instantes para refletirmos sobre a razão de existência desta data.

Esquecendo discussões inúteis sobre datações, há pouco mais de dois mil anos veio ao mundo um homem que dividiu a contagem dos anos em Antes e Depois, por nos ensinar a amar.

Jesus de Nazaré dividiu a História Planetária por inverter totalmente o paradigma moral da época. Ao invés de “olho por olho, dente por dente”, o amor incondicional e o perdão tornaram-se as novas Leis Humanas e o mais difícil dos desafios íntimos que temos de enfrentar.

Tamanho é o absolutismo de seu ensinamento que ainda hoje raros são aqueles que conseguem pôr em prática. Ainda assim, o desafio está colocado, não como uma lei religiosa vazia, mas como o único caminho para a felicidade verdadeira (a coletiva) e para a evolução do mundo.

Existem muitas músicas natalinas, e gostaria de postar uma de minhas favoritas numa versão mais moderna que achei bem bonita. E também uma clássica homenagem de Bach ao Mestre da Humanidade.

“God Rest Ye Merry Gentlemen”(autor desconhecido):
http://www.youtube.com/watch?v=01uoLNxSLrY

“Bach – Jesus Alegria dos Homens”:
http://www.youtube.com/watch?v=DNdjML2kquc&feature=related

“Ame ao próximo como a ti mesmo, e a Deus sobre todas as coisas.”

Feliz natal a todos!

#57 - Bicho do mato

2008-12-24T08:42:00.002-02:00

E aquele jovem que seria advogado no Rio de Janeiro decidiu largar tudo e voltar para sua terra. Por quê? Ideologia, epifania...?

Somente o talento de Almir Sater nos fornece a pista para explicar tamanho risco... deixar uma metrópole importante, um curso importante, numa idade tão decisiva, para voltar à sua casa: um lugar tão remoto aonde, na maior parte do ano, só se pode chegar de avião.

Ao ouvir as músicas de Almir, pode-se compreender perfeitamente o universo que povoa seu íntimo, e este universo é sua terra natal. Seu lar de origem é tão perdido na imensidão pantaneira que os indivíduos lá são obrigados a viver aglutinados à natureza e a obedecerem rigorosamente os seus ciclos. Lá também perde-se a noção de “propriedade”, e a única coisa que se consegue chamar de “casa” é a paisagem.

As músicas de Almir Sater são uma tradução gritante deste contexto. Sua voz é pacífica, seu toque de viola é brilhante, e suas letras a poesia da natureza.

-“Terra de Sonhos”:
http://www.youtube.com/watch?v=Vj4oCRUbrno

-“Trem do Pantanal”:
http://www.youtube.com/watch?v=NcfFvcxOnSM

Bom proveito!

#56 - "Que que deu nesse menino?..."

2008-12-12T13:57:00.003-02:00

Não seria mesmo fácil encontrar uma forma empolgante de falar sobre Andy McKee, ou de narrar sua ainda curta história musical.

É tudo muito simples, muito comum... O tipo de coisa que ocorre de maneira repentina e quase ninguém nota. Deve ser igual a visitar parentes e encontrar aquele garotinho de 12 anos que você não vê há 5 anos, e grita: “Meu Deus, o que aconteceu com você?!”.

Sabe-se lá o que ocorreu... Andy McKee tinha 13 anos, e deu na cabeça dele fazer umas aulas de violão. Não houve nada de mais, já que o garoto não dava a mínima para as lições. Um primo (desses primos quaisquer, que todo mundo tem), foi com ele, certo dia, à apresentação de um violonista bacana. Andy gostou do que viu, e comprou uma fita de vídeo com algumas técnicas do homem.

Aí então, assim de repente, como gritar “meu Deus, o que aconteceu com você?!”, deu nisso. McKee tornou-se um violonista compositor, detentor de uma incrível capacidade de fazer com duas mãos o que normalmente necessitaria de quatro.

A música “Drifting”, de seu terceiro CD, já foi assistida mais de 8 milhões de vezes no Youtube.

“Andy McKee – Drifting”:
http://www.youtube.com/watch?v=Ddn4MGaS3N4&feature=related

“Andy McKee – Art of Motion”:
http://www.youtube.com/watch?v=nmE3QaGetn4&feature=channel

Bom proveito!

#55 - A canção de todo mestre

2008-12-12T09:36:00.003-02:00

Hoje podemos enumerar diversos filmes que tratam do tema “Mestres & Alunos”. Temos “A Sociedade dos Poetas Mortos”, “Mentes Perigosas”, “Adorável Professor”, “Escritores da Liberdade”, etc...

O que muitos de nós não sabemos, é que este gênero ganhou destaque graças ao filme “Ao Mestre com Carinho”, de 1966, e estrelado por Sidney Poitier, o primeiro ator negro a receber um Oscar de melhor ator principal.

O filme, que já é belíssimo por si, vem adocicado por uma maravilhosa canção, cuja intérprete (Lulu) é mesmo a própria atriz que faz o papel da aluna que canta no final. A letra de “To Sir, With Love” fala sobre uma transição para a maturidade, e da incapacidade de se agradecer aquele que tornou possível esta transição.

A música (composta por Don Black e Marc London, escritor do “The Muppet Show”) alcançou imediatamente o topo das paradas, e até hoje é possível para muitos lembrarem-se de tê-la ouvido em algum lugar... em alguma época...

“Lulu – To Sir, With Love”:
http://www.youtube.com/watch?v=AQztUCuXzKU&feature=related

Bom proveito!

#54 - O quarto tenor fugiu pro rock

2008-11-26T13:26:00.004-02:00

Quem disser que Freddie Mercury é um cantor bastante operístico, dificilmente será criticado. Ainda assim, a despeito do inigualável talento do cantor (inclusive como compositor), é válido perguntar de onde exatamente surge a associação entre seu estilo e a ópera.

Não é possível rotular Freddie Mercury como cantor lírico baseando-se em sua capacidade vocal, que apesar de extraordinária, apresenta em grande parte a roupagem – por vezes lisa, por vezes áspera – do rock. Mas é sim possível colocá-lo neste patamar, se nos detivermos em certos parâmetros claramente notados em suas composições.

Em outras palavras, se a roupagem da voz de Freddie não tem “cara de ópera”, suas músicas muitas vezes estruturam-se na liberdade operística. É exatamente graças à influência da música operística que os maiores sucessos do Queen (compostos por Freddie), são acusados – no bom sentido – de romperem lindamente com as estruturas do rock, tomando rumos inusitados e muitas vezes de cunho narrativo.

Vamos tentar perceber esse aspecto tão significativo de suas músicas, sob dois prismas bem distintos, mas que levam ao mesmo raciocínio:

-Primeiro, a quebra da estrutura convencional rock:
http://www.youtube.com/watch?v=Db65ZsVsLWo&feature=related

-Segundo, numa canção mais convencional, em parceria com a cantora lírica Montserrat Caballé:
http://www.youtube.com/watch?v=mvZGgbF43H8

Bom proveito!

#53 - Casamentos perfeitos, filhos notáveis

2008-11-26T09:40:00.002-02:00

Era início da década de 60, e quatro amigos (as garotas Michelle e Cass; e os garotos John e Denny) assistiam televisão. De repente, surge uma entrevista com os lendários motoqueiros Hell’s Angels. As meninas agitam-se com a visão de um belo exemplar masculino encasacado que diz: “Aqui nós chamamos nossas mulheres de ‘mamas’!”. Imediatamente, Michelle e Cass suspiram, dizendo em uníssono o quanto adorariam ser “mamas”.

E a questão foi de pura lógica: se elas seriam “mamas”, restaria a John e Denny serem os “papas”. E assim surgiu o “The Mamas & the Papas”, grupo vocal que criava suas próprias canções, e não bastasse a beleza das mesmas, davam a elas uma dinâmica de vozes que tornou-se marca registrada na história da música.

O “The Mamas & the Papas” foi um dos únicos grupos norte-americanos que conseguiu competir na época, em primeira grandeza, com a “invasão britânica” que dominava as paradas de sucesso (e encabeçada, para se ter uma idéia, pelos Beatles).

Sua maior obra-prima é, sem dúvida, a canção “Califórnia Dreamin’”, exemplo básico e clássico da genialidade com que construíam o jogo das vozes:

http://www.youtube.com/watch?v=dN3GbF9Bx6E

- “Monday, Monday”:
http://www.youtube.com/watch?v=LW7NpsHR3K0

Bom proveito!

#52 - A voz na Escuridão

2008-11-13T10:42:00.003-02:00

Era uma tarde comum na comuna rural de Lajatico, Itália. Num pequeno campo improvisado, alguns garotos jogavam futebol.

A princípio, a meninada torcia o nariz quando o jovenzinho Andrea oferecia-se para jogar. Diziam que ele tinha um problema de nome esquisito, que o fazia enxergar muito mal. Goleiro, nem pensar... Com o tempo haviam se acostumado. Naquele dia, porém, o destino selaria sua sentença... Numa emocionante jogada de ataque, um chute poderoso e certeiro fez a bola atingir a cabeça de Andrea, e ele ficou definitivamente cego.

Talvez aquele que não possa ouvir o que vem de fora, possa ouvir melhor o que vem de dentro, como Beethoven. E se com a visão dá-se o mesmo, talvez tenhamos boa explicação para o excepcional talento que o garoto cego passou a demonstrar em sua emoção e voz.

Andrea Bocelli veio a tornar-se um dos maiores cantores do mundo. Engrossou também, junto do ícone Luciano Pavarotti, a fileira dos gênios que vieram ao mundo numa importante missão: trazer a música das óperas e orquestras para o povo, para as grandes massas. Grandes massas estas extremamente desgastadas pela frivolidade e banalidade que tem condenado a música popular ao posto de trivialidade instantânea.

Muitas foram as canções que fizeram sucesso pela voz de Andrea. Uma delas chama especial atenção, não só por sua beleza em si, mas por conter uma poética homenagem à nossa padecida Terra.

-“Andrea Bocelli – Canto Della Terra”:
http://www.youtube.com/watch?v=kCrWxKoOhH8&feature=related

Bom proveito!

#51 - Três são demais

2008-11-13T10:00:00.003-02:00

O jazz não é só um estilo musical refinado, consagrado, mas também é um gênero que tem sua execução aparentemente subordinada sempre a músicos de alto nível técnico e acuidade.

Por que então o jazz é o estilo que tem recebido críticas das mais ácidas, principalmente quanto ao quesito “inovação”? Muitos têm afirmado que o jazz parou no tempo, que sobrevive de antigos temas e que as novas idéias continuam ser afogadas pelas entusiásticas improvisações, em que os músicos mostram sua técnica e quase sempre esquecem do mais importante: a idéia musical.

Fica fácil captar melhor essa idéia de mesmice quando nos deparamos com algo como o “The Bad Plus”. Trata-se de um trio de jazz absolutamente surpreendente, e isto é facilmente notado graças à clara prioridade que o grupo dá à idéia principal de cada música, bem como à estrutura que a rodeia. As viagens solísticas egocêntricas ficam em segundo plano.

O “The Bad Plus” prioriza a música, e não o músico. O resultado é uma sonoridade envolvente, imprevisível, e por incrível que pareça: muito simples.

O trio formou-se em 2000 pelo pianista Ethan Iverson, o baixista Reid Anderson e o baterista Dave King, e é famoso por criar, além das músicas próprias, versões de músicas pop e rock (como Queen, Radiohead, Tears For Fears etc..).

Aí vão três maravilhosas obras originais do “The Bad Plus”:

-“Anthem For the Earnest”:
http://www.youtube.com/watch?v=lb-bJlxXDbs

-“Physical Cities”:
http://www.youtube.com/watch?v=81YcNs82kyA&feature=related

-“Dirty Blondie”:
http://www.youtube.com/watch?v=04g1aFNoBZs&feature=related

Bom proveito!

#50 - Cellar Door

2008-08-26T15:50:00.002-03:00

Em 2001 foi lançado um filme que passou quase em branco pelos circuitos. Por incrível que pareça, ao assisti-lo podemos até sentir no fundo que isto é justificável...

O complexo roteiro é baseado nas teorias de Stephen Hawking e na filosofia de Roberta Sparrow, e o que mais nos excita e desafia nele como espectadores talvez seja a apresentação deste elemento Quântico misturado a um aparente distúrbio psicológico do protagonista (Donnie Darko, que dá o próprio nome do filme). Na verdade, o distúrbio de Donnie é aparentemente discutido como uma espécie de “fenda” que o permite obter contatos com uma outra dimensão.

Na estória, a casa de Donnie é vítima de um misterioso e inexplicável acidente, e a partir dele o rapaz começa a ser estranhamente induzido, pela visão de um homem-coelho feio pra diacho, a executar uma série de “tarefas” que ele próprio não compreende, mas que sente estarem conectadas à necessidade de impedir uma catástrofe. Ele trava, um tanto sem perceber, uma batalha contra o medo da morte ao compreender que precisará entregar sua vida para salvar a quem ama. E não se preocupe quem não assistiu, porque não entreguei nada... A coisa vai exigir muita queima de neurônios, garanto...

Musicalmente falando, o filme sustenta-se muito no som do grupo Tears for Fears, uma perfeita escolha para trazer a nostalgia dos anos 80, a se notar principalmente por esta pequena e arrebatadora cena (que vale dizer, não é um clipe, é no filme exatamente assim), que traça de maneira muito mais interessante do que a mera “narrativa regular” um panorama geral dos personagens que cumprirão papel fundamental na estória:
http://www.youtube.com/watch?v=AXwelEWpPXs

Outra canção do Tears for Fears usada, como tema principal, é a “Mad World”, só que em versão de Gary Jules, mais simples e intimista.

“Gary Jules – Mad World”:
http://www.youtube.com/watch?v=D1Nq086QB1Q

“Tears for Fears – Mad World” (original):
http://www.youtube.com/watch?v=nXuXikfIYHY&feature=related

Bom proveito!

#49 - De boneco e louco todo mundo tem um pouco...

2008-08-26T09:32:00.002-03:00

O programa infantil Vila Sésamo estreou na programação brasileira em 1972, e tornou-se lembrança muito cara aos que foram crianças na época. Exaltado até os dias atuais, graças à genialidade de sua estrutura e conteúdo, Vila Sésamo foi a versão nacional de Sesame Street (“Rua Sésamo”) criado nos EUA em 1969 com base em inovadores estudos de educadores. A versão original tornou-se um dos programas mais duradouros da história, com mais de 30 anos initerruptos de produção.

Graças ao programa, uma música bastante despretensiosa criada pelo italiano Piero Umiliani tornou-se extremamente famosa, ao ser apresentada num quadro musical com a hilária coreografia de três peculiares personagens.

Após o sucesso desta primeira versão, outra coreografia, ainda mais hilária, foi apresentada no programa “The Muppet Show”, produção com bonecos que surgiu a partir de Sesame Street, com objetivo de ser mais “variedades” e agradar não apenas crianças. Vamos a ela:

“The Muppet Show - Manah Manah”:
http://www.youtube.com/watch?v=7wMHcpMmV9g

Outra que também vale um click:

“Harry Belafonte & The Muppet - Banana Boat Song”:
http://www.youtube.com/watch?v=Jpg-KIKD5gU&feature=related

Bom proveito!

#48 - O vento que cresceu a barba

2008-08-15T15:16:00.003-03:00

Dependendo das circunstâncias gerais em que o faça, ouvir uma boa música deles é como fazer, no meio de um espasmo de felicidade, uma terrível piada sobre seu melhor amigo; é o encontro com a conclusão sábia de que aquilo foi mais você do que o você cotidiano, sendo este último a versão improvisada de um bom manequim social.

Parece espantoso que muitos dos fãs de Los Hermanos relatem uma sensação de “invasão” quando envolvidos pelas canções do grupo, e falo de “invasão” no sentido injusto mesmo, como a possível sensação de alguém sentado no meio de uma roda onde todos pudessem ler seus pensamentos. Mas não tenho muita certeza de que este resultado seja tão misterioso...

Uma das características mais notáveis na banda é a precisão com que as letras são assentadas sobre a melodia, bem como seu temas e desenvolvimentos. Em suma, ao mesmo tempo em que as letras criadas não interferem na idéia melódica, elas não perdem substância por uma comum priorização de um elemento ou outro: letra e música convergem perfeitamente.

O resultado disso é que a bela musicalidade da banda prepara nosso terreno emocional para a série de panoramas e imagens a que as letras nos submetem, e é para nós impossível deixar de tentar decifrá-las. E é por culpa deste ímpeto pela explicação que muitas vezes empobrecemos algumas das letras do grupo, atribuindo a elas uma pretensa “complexidade poética”.

Alguns já descobriram a beleza que é apreciá-las em seus sentidos mais óbvios e simples, como a maravilhosa “Além do Que Se Vê”, que Marcelo Camelo (letra e música) compôs para sua mãe pintora: http://www.youtube.com/watch?v=P9lvAQdFwyM

O Los Hermanos tem uma trajetória (ainda que recente) bem interessante. Após um álbum de estréia com estilo musical frenético e meloso (até debochado), veio um segundo disco bastante diferente, mais introspectivo e refinado, cujo mote parecia ser mesmo o susto que acomete o folião quando a festa acaba. A primeira música deste álbum dá esta clara idéia, introduzida por um trombone solitário e triste, que parece lamentar-se num salão vazio e abarrotado de sepentina e confete:

“Los Hermanos - Todo Carnaval Tem Seu Fim”:
http://www.youtube.com/watch?v=J16o9bYS-no

"Casa Pré-Fabricada" (versão de Roberta Sá):

http://www.youtube.com/watch?v=cCAQq57DTZg&feature=related

Bom proveito!

#47 - De pai para filho

2008-08-11T14:20:00.003-03:00

A vida do músico texano Radney Foster corria relativamente bem. No fim da década de noventa, estava com a carreira estável, prestes a lançar um novo álbum.

Certo dia, uma notícia chegou de sua ex-esposa. Ela o informou de que iria mudar-se para a França, no intuito de estabelecer melhor um novo relacionamento que estava vivenciando. Quanto a este último detalhe, não houve maiores problemas, mas a notícia abalou Radney de forma terrível, já que seu filho com ela, de três anos, teria de ir embora também.

Sem ver uma saída razoável para a situação, Radney compôs uma canção maravilhosa para o menino, dizendo a ele que a ouvisse todas as noites antes de dormir. E dizem que ele ainda o faz até hoje...

A melodia é surpreendente, e a letra demonstra uma extrema sensibilidade de Radney, intercalando o que seria uma oração noturna e muitos personagens do universo infantil. Seu título, “Godspeed”, é uma expressão antiga, uma despedida que deseja boa jornada e prosperidade. Se a traduzíssemos literalmente, poderia ser “na velocidade de Deus”.

“Radney Foster – Godspeed (Sweet Dreams)”:
http://www.youtube.com/watch?v=eos7FbtuTbo

Bom proveito!

#46 - O Espírito Continua...

2008-08-06T16:38:00.002-03:00

Com a licença da liberdade de expressão, e sem receio de contrariar os puritanos, afirmo com plena segurança que o mais belo capítulo da história do Rock Progressivo ainda estava para ser escrito mesmo após seu declínio a partir dos anos 80.

Este capítulo começa em Cuba, no ano de 1993, com um triste acidente. Um jovem chamado James Labrie estava há pouco tempo integrado num trabalho no qual podia se considerar feliz e realizado. Cantor desde os 5 anos de idade, dono de um talento inigualável e timbre único, passara considerável tempo pulando de grupo em grupo sem nenhum sucesso, até que em 91 consegue ser contratado como vocalista da banda Dream Theater, que na época já era respeitada como um dos únicos mantenedores consistentes do rock progressivo. Mas sua felicidade não demorou muito para ser fatalmente abalada. Dois anos depois, numa viagem ao citado país de Fidel, sofreu uma gravíssima intoxicação alimentar que, por incrível que pareça, culminou no rompimento de suas cordas vocais.

Tentando tratar-se com um punhado de especialistas, recebeu de todos a triste notícia de que nada mais podiam fazer. Após um tempo de repouso, o Dream Theater entrou em estúdio para um novo álbum, e contrariando todas as recomendações médicas James decidiu participar, e a muito custo conseguiu gravar com a banda. Sem conseguir ficar longe dos palcos, saiu em turnê, e seu desempenho foi desesperador.

Ao final da turnê, James, extremamente deprimido e prejudicado, decidiu largar a banda. No entanto, seus companheiros recusaram-se a aceitar sua saída, e com o comovente apoio que recebeu de todos, conseguiu algum fôlego para seguir em frente. E eis que os músicos do Dream Theater estavam então preparados para dar à luz seu carimbo na história: o álbum “Scenes From a Memory”, lançado em 1999.

Todo o disco conta a história de um homem que sente-se atormentado sem saber o motivo, até que decide fazer uma regressão de memória. A partir daí, as músicas passam a narrar a descoberta de uma vida passada cujos incidentes marcaram o homem, bem como sua jornada pelo inconsciente a fim de encontrar sua paz de espírito.

A temática da imortalidade da alma, da continuidade da vida após a morte, é tratada de forma memorável durante a trajetória do personagem, e a subordinação disto à musicalidade da banda transforrna a audição num momento transcendente. E tal transcendência não se dá pelas antigas “caleidoscopias sonoras” ou pelas ilusões dos ácidos, mas pelo desafio das harmonias e pelo poder de som do grupo.

Contemplemos os três momentos finais deste trabalho, os trechos mais trágico-operísticos de “Scenes From a Memory”, que culminam, em minha humilde opinião, no encerramento mais belo de todos os melhores álbuns do gênero. E nos emocionemos, também, com a valentia do cantor James Labrie, ainda prejudicado na voz, mas vivo de alma:

-Throught My Words / Fatal Tragedy:
http://www.youtube.com/watch?v=XWuCdV5VWWU&feature=related

-The Spirit Carries On:
http://www.youtube.com/watch?v=avPdOAKl8w4&feature=related

-Finally Free:
http://www.youtube.com/watch?v=DM02oyWWxNY&NR=1

Bom proveito!

#45 - Ótimas Notícias!

2008-08-06T16:20:00.006-03:00

Como todo carinha que toca um instrumento, eu também tive uma banda. Ela chamava-se Virthua e durou alguns poucos anos até desfazer-se no tempo.

Na época nosso cantor era Guilherme Rios, e sempre me espantou o talento inigualável que ele tinha, tanto como cantor como na criação de músicas, embora em nossa banda ele fosse muito tímido para mostrá-las.

Depois que a Virthua acabou, muito torci para que ele seguisse adiante, e no fundo sempre achei que alguém com suas características estivesse fadado ao sucesso. Pois bem, poucas coisas dão tanta alegria a alguém como ver um amigo sincero realizar-se.

É com muita felicidade que noticio a participação da banda Líris (cujo vocalista é o dito cujo) hoje (06/08) no Programa do Jô, da rede Globo.

Não tenho dúvidas de que estes rapazes tem tudo para dar um novo fôlego ao rock nacional. Ouçam algumas músicas no link abaixo (recomendo "Simples Assim" e "Vento", minhas preferidas):

www.myspace.com/bandaliris

Muita sorte e inspiração aos nossos amigos Guiba, Vitão, Mike, Peepo e Nico!

#44 - Entrevista: o homem das trilhas

2008-07-29T17:29:00.005-03:00

O paulistano Américo Sucena viveu grande parte de seus anos entre os cálculos da complexa engenharia e seu amor pela música. Atualmente, aposentado, não só dedica-se ao radialismo, como dá palestras e o mais interessante: é detentor de uma das mais admiráveis coleções de trilhas-sonoras de cinema no país, se não no mundo.

Agora teremos a oportunidade de ler um pouco de sua experiência nesta pequena entrevista, que ele gentilmente cedeu ao blog.

G.B. - A música certamente faz parte do cotidiano de todos nós, desde que nascemos. Ainda assim, poderia nos contar se houve algum momento específico a partir do qual deu-se conta de que ela era parte essencial de sua vida?
A.S. - Sempre tive uma relação forte com música ainda criança. A música orquestral sempre me encantou. Mas a música de cinema uniu a música clássica aos temas mais populares. Depois que os grandes compositores clássicos desapareceram o cinema os trouxe de volta.

G.B. - De onde surgiu esse gosto tão especial pelas trilhas sonoras?
A.S. - Quando eu tinha 9 anos, meu pai desencarnou e algum tempo depois ouvi o tema que Max Steiner compôs para “E o Vento Levou...” (post #41). Eu estava acompanhado de minha mãe que chorava muito ao ouvir aquela música. O “Tema de Tara” é muito bonito e tristonho, e eu soube que meu pai o assobiava quando eles acabaram de assistir ao filme. Aquele tema eu nunca mais esqueci. Muito tempo depois eu soube por minha mãe que meu pai saia dos cinemas e assobiava os temas que gostava. Ele prestava atenção na música enquanto assistia ao filme. Eu faço isso também. Ele me influenciou sem que eu soubesse ou sabia? Não sei. Só sei que gosto também de música de cinema.

G.B. - Sua coleção já chega aos espantosos 1600 CDs, todos originais. Como surgiu a vontade de formá-la?
A.S. - Eu já tinha uma coleção razoável quando, em 1998, sugeri à Rádio Boa Nova que seria interessante fazer um programa de música de cinema. Eles toparam e em 1999 começamos o “Cinemagia”, que está no ar até hoje. De lá para cá achei que poderia compartilhar com as pessoas os CDs que tenho. Então passei a me interessar também pelas (boas) trilhas que surgem a cada novo filme para manter o programa atualizado.

G.B. - Qual foi a primeira trilha que adquiriu?
A.S. - A primeira trilha tem uma história interessante. Sai de casa nas férias de 1983 para comprar um vídeo-cassete para minha família (na época composta por esposa e duas filhas). Quando entrei na loja (Bruno Blois da R. 24 de Maio) não havia nenhum modelo disponível. Já estava de saída quando ouvi pela fresta de uma sala envidraçada para uso dos aficionados por música clássica um tema esquisito com um som sem chiados. De repente o andamento se altera e entra o conhecido tema de “Guerra nas Estrelas” de John Williams. Um som com uma pureza que eu nunca tinha ouvido. Foi o suficiente para eu sair da loja com um tocador de CD mais o disco que naquela época acompanhava o aparelho e, é claro, com o CD do filme “O Retorno do Jedi”. Cheguei em casa e perguntei: “adivinha o que eu comprei!”. Depois da bronca, tive que voltar a uma outra loja e comprar um Vídeo Cassete. Mas “O Retorno do Jedi” foi o meu primeiro CD de filme.

G.B. - Existe algum parâmetro que uma trilha deve ter para fazer parte de sua coleção, ou sai logo comprando de tudo?
A.S. - Hoje, busco comprar trilhas que tenham um tema (pelo menos um) que me agrade, mas também, na condição de colecionador, compro trilhas indicadas a Oscar de Melhor Filme, Melhor Trilha e Melhor Canção.

G.B. - Dentre tantas, alguma trilha tem um significado especial?
A.S. - A Trilha de ET (post #2) me emociona até hoje sempre que vejo o filme. Não há como não gostar. Tenho também uma trilha rara e bonita de um filme ainda mudo: “Ben-Hur” de 1925, do compositor Carl Davis (http://www.youtube.com/watch?v=zs_2eR7pU5w).

G.B. - Existe alguma obra que sempre quis ter, mas nunca conseguiu encontrar?
A.S. - Algumas trilhas faltam em minha coleção. Uma delas é a do filme “55 Dias em Pequim” (http://www.youtube.com/watch?v=xvFf5tn1j1o), outra do “Se Meu Apartamento Falasse”. Eu tenho os temas principais dos dois filmes, mas quero ter a trilha toda. Mas não são só essas duas que me faltam, há outras fora de catálogo ou ainda não editadas.

G.B. - Qual é seu compositor favorito?
A.S. - Meu compositor favorito é John Williams. O estilo vibrante e altamente melódico me encantam. Uma trilha que é melódica do começo ao fim é a do filme Sabrina de 1995. Indispensável numa coleção de trilha sonoras. É um dos compositores que mais ‘amarrou’ o tema ao filme. Senão vejamos: Tubarão, Caçadores da Arca Perdida, Guerra nas Estrelas, Contatos Imediatos de Terceiro Grau, ET – O Extraterrestre, Superman, A Lista de Schindler, e outros mais.

G.B. - Acha que existe algum caminho que seja mais recomendável a quem esteja iniciando-se na apreciação de trilhas sonoras?
A.S. - Trilhas sonoras devem chamar atenção pela boa melodia. É o belo atendendo ao prazer de ouvir algo que nos faça bem. É o belo unido ao que é bom. Ela deve nos transportar sem sairmos do lugar.

G.B. - Já li e ouvi muitos intelectuais (ou pseudo) discutindo a arte sob parâmetros do "Belo", ou da "Beleza". Segundo o que disse sobre o "belo unido ao que é bom", dá-nos a idéia de que a arte (a forma de expressão mais espiritual do ser humano) pode ter seu valor atrelado a um novo e importante aspecto. O que vem a ser este "bom" a que se refere?
A.S. - Sabemos que estamos envoltos por vibrações eletromagnéticas. Tudo vibra e exala suas vibrações na natureza. O cientista japonês Massaro Emoto em seu livro “A Mensagem da Água” nos revela a formação de cristais de gelo, com água de diversas procedências. A influência da boa música é notável para a harmonização dos cristais que se formam. É possível ver o que acontece com a água, antes e depois da harmonização. Como o nosso corpo é composto de 75% de água, somos diretamente harmonizados ou não pela música. Isso para citar apenas uma forma de influência que já é conhecida. É viver e aguardar novas descobertas.

Para aqueles que desejam mergulhar neste fascinante universo da música para cinema, um bom começo é sintonizar Américo Sucena no Cinemagia, quadro diário exibido pela Rádio Boa-Nova (1450 AM), sempre às 12:55 horas. E quase todo o acervo do Cinemagia pode ser facilmente acessado no site www.radioboanova.com.br. Basta clicar em “Rádio Gravado”, escolher um dia e clicar em Cinemagia às 12:55, e deleitar-se com todos os maravilhosos temas apresentados nos últimos anos.

Bom proveito!

#43 - Podem os mestres ter ídolos?

2008-07-29T14:49:00.006-03:00

Era verão de 1812. Na estância termal alemã de Toeplitz, dois homens caminhavam de braços dados, muito juntos. Mas assim estavam não pela privacidade da conversa, já que um deles repetia seus assuntos quase sempre em alto e bom som ao ouvido de seu amigo. Falavam animadamente sobre música, poesia, e dividiam seus felizes ideais de revolução, liberdade e igualdade.

Em dado momento, um pequeno comboio de nobres cruza-lhes o caminho. Imediatamente, Goethe solta seu braço do amigo e abre para os ilustres um espaço quase tão grande quanto sua reverência e sorriso. Beethoven olha aquilo com espanto, e sua amizade com Goethe, que mal havia começado, já parte para um inevitável afastamento apático.

Beethoven era leitor das obras de Goethe (mais conhecido por “Fausto”) desde sempre, e diariamente devorava toda a criação do escritor. Sua admiração exacerbada possivelmente devia ter uma razão além do valor literário próprio. O fato é que Goethe costumava dizer abertamente, e com freqüência, que a música era o que movia seu amor pelas palavras, que a música era sua inspiração e a forma de arte perfeita para dar a seus escritos um valor completo e verdadeiro.

Na ocasião do encontro de Beethoven com seu ídolo, o compositor já havia finalizado a música que lhe fora encomendada para uma nova encenação de uma antiga peça de Goethe, chamada “Egmont”. Ser convocado para musicar uma peça de Goethe (ainda mais algo que tratava da luta pela liberdade contra o “invasor”) deixou Beethoven nas nuvens, e o resultado é que a abertura de “Egmont” é executada até os tempos atuais em concertos pelo mundo todo.

Não se sabe o quanto esse período e seus acontecimentos influenciaram o mestre na criação de sua Sétima Sinfonia (composta no ano de seu encontro com Goethe), mas o Segundo Movimento desta – uma das obras mais enigmáticas e perturbadoras do mestre – parece carregar um pequeno fardo da abertura de "Egmont".

-Beethoven – “Abertura de Egmont”:
http://www.youtube.com/watch?v=M1yxWXHLWcY

-Beethoven – “7ª Sinfonia, 2º Movimento” (não pergunte quem é a mulher do vídeo... foi a melhor versão que encontrei):
http://www.youtube.com/watch?v=5V5k0Plh-jY

Bom proveito!

#42 - Nem sempre há chocolates nas caixas de chocolates

2008-07-17T16:56:00.005-03:00

Uma pena branca flutua livre, levada ao sabor da brisa. Um suposto acaso a faz pousar graciosamente nos pés de um aprumado rapaz, sentado no ponto de ônibus. Ele a recolhe e guarda dentro de um livro. Passa, em seguida, a contar sua história para a pessoa que está ao lado.

Assim começa uma das mais singelas e grandiosas obras que o cinema já trouxe ao mundo: a história de Forrest Gump, um americano que, apesar de ter um QI baixíssimo e ser considerado retardado, traz em sua bagagem de vida uma coleção inimaginável de conquistas e aventuras.

O compositor Alan Silvestri - muito conhecido pelo tema de "De Volta Para o Futuro" – (http://www.youtube.com/watch?v=5Lh0fi6KmaA), criou para o personagem Forrest um tema que não indica a ostentação de seus êxitos, ou a perseverança que o levaram a suas vitórias. Estranhamente, o tema musical ligado a ele é simples e inocente. Simples e inocente como a própria alma de Forrest.

Outra música notável da trilha de Silvestri é aquela que envolve o amor de Forrest por Jenny (aos 2:16 no link), amor este que permeia toda a sua vida, e que permanece imutável apesar das constantes diabruras da garota.

O link contém ambas as músicas citadas (em ordem respectiva) e algumas mais:

-"Alan Silvestri - Forrest Gump" (Medley):
http://www.youtube.com/watch?v=FcOt6mfjxeA&feature=related

Bom proveito!

#41 - Não quer entrar para tomar uma xícara de café?

2008-07-17T09:24:00.005-03:00

Creio que todos nós perguntamos um dia, ao assistir um desses filmes espetaculares, como há neles músicas tão interessantes, e o principal: como essas músicas se encaixam com tamanha sincronia e perfeição às cenas?

Pode parecer que a trilha sonora para filmes foi algo criado para ser assim, desde sempre, mas não foi. Embora seja verdade que a música tenha feito parte dos filmes antes mesmo da voz humana, ela era (nos seus primórdios) apenas um recurso para realçar situações e emoções primárias. Por exemplo: havia um tema padrão para salientar a chegada do vilão, para fazer rir, para reforçar tristeza, assim por diante.

Qualquer um que conheça um pouco a vida de Max Steiner (1888-1971), sabe que não é exagero algum dizer que ele foi o pai da trilha sonora, em todos os seus melhores aspectos que temos hoje e que tivemos ao longo de tantas décadas.

Steiner foi um gênio da música que não mediu esforços para romper todos os limites vigentes no processo musical cinematográfico. Contratado como chefe do departamento musical do estúdio RKO em 1929, teve ferrenhas brigas com Deus e o mundo para que a trilha sonora ganhasse espaço de legítima contribuição artística nos filmes. Aos poucos suas batalhas foram sendo vencidas, devido é claro à sua sublime criatividade.

Logo, Steiner compôs uma trilha que revolucionou a música para cinema e estabeleceu todos os seus melhores padrões: a primeira versão de King Kong (1931). Esta trilha surpreendeu o meio cinematográfico, pois aparentemente ninguém havia pensado que a música poderia aglutinar-se tão bem às cenas e dar-lhes uma profundidade emocional tão grande, além, é claro, de sincronizar-se à ação das imagens.

Eis aqui uma das cenas mais antológicas da história. Reparem o poder que a música de Max Steiner lhe imprime. Ela faz parte do filme “E o Vento Levou” e praticamente resume qual o papel mais rico da música para cinema, dando substância sobrenatural ao clímax da personagem após uma dramática trajetória de dificuldades:
http://www.youtube.com/watch?v=rgjHuOnwhFA

E o Vento Levou - Tema de Tara:
http://www.youtube.com/watch?v=1KBT4BYjr1I

Seleção de temas de Max Steiner:
http://www.youtube.com/watch?v=03jiCoXaU5Y

Bom proveito!

#40 - They sure do brazilian music!

2008-07-10T09:43:00.003-03:00

Em 1996 foi lançado um álbum especialmente notável, de uma banda brasileira, que canta em inglês e faz sucesso no Japão.

É muito interessante perceber que logo o Angra (para quem muitos torcem o nariz pela opção das letras em inglês) foi um dos grupos de rock que conseguiu englobar elementos de música brasileira em sua sonoridade de um modo objetivo, mantendo tanto a consistência do elemento novo quanto do rock, sem pretensões de mistura que costumam fazer com que alguns rockeiros nada pareçam mais que baiões com guitarra.

Isto ocorreu com o Angra no álbum em questão, chamado “Holy Land”, em que todas as músicas relacionam-se a contar sobre o descobrimento do Brasil, tanto pelo lado europeu quanto pelo lado indígena.

A beleza do disco foi crucial para gravar o Angra como representante absoluto do metal brasileiro, e para botá-los como estrelas de primeira grandeza no já mencionado Japão, atrás apenas de grupos como Guns’ Roses ou U2.

A banda é paulistana, formou-se em 1991 pelo empresário Toninho Pirani, e após drásticas mudanças de formação está atualmente parada. Aí vão algumas de minhas favoritas:

- “Angra – Deep Blue” (album Holy Land):
http://www.youtube.com/watch?v=g051RL2AH6U

- “Angra – Carolina IV” (album Holy Land):
http://www.youtube.com/watch?v=9XCtqvrO_Nk&feature=related

- “Angra – Metal Icarus” (album Fireworks):
http://www.youtube.com/watch?v=lAhEyuA7Smc

Bom proveito!

#39 - A menina de cabeça fértil

2008-07-09T08:51:00.004-03:00

Corria o ano de 1984. Na capital canadense Ottawa, a apreciada cantora folk Lindsay Morgan havia recebido a intrigante visita de uma garotinha de 10 anos, que tencionava vender a ela uma canção de sua autoria. O momento que seria então de inocência e encanto mostrou-se um pouco mais sério, quando de fato Lindsay constatou que a pequena havia criado algo deveras valioso. A música então chamada “Fate Stay With Me” foi comprada por ela, que resolveu também ajudar a menina a buscar uma trajetória nas artes.

Para tanto, fez com que ela gravasse sua canção como um single e o lançasse numa edição limitada por um selo desconhecido. Trabalho feito, embora de proporções mirradas, o single chamou a atenção da MCA, que alguns anos depois assinou contrato com a talentosa garotinha.

Alanis Morissette lançou, então, em 1991, seu primeiro disco oficial, aos 17 anos de idade. O trabalho buscava explorar o carisma dela em faixas pop-dance, e a empreitada teve grande sucesso nas paradas. Buscando dar continuidade aos dividendos, veio o segundo disco, também dançante, mas a explosão anterior já dava sinais de desvanecimento.

Alanis viu-se numa crescente maré de desânimo quanto a seu trabalho. Por um período, a partir de 93, morou sozinha e botou-se numa busca incessante por músicos com quem pudesse trabalhar ou que a ajudassem a encontrar uma forma de expressão que lhe desse mais satisfação. Conhecer então o produtor Glen Ballard pôs fim à busca da moça. Encorajando ferozmente Alanis a expressar suas emoções Glen foi aos poucos ajudando-a a compor o que seria um dos álbuns de rock pop mais vendidos da época: o “Jagged Little Pill”, em que quase cada uma das faixas virou hit.

A partir de então, o estilo musical de Alanis Morissette fixou-se numa crueza maior pelo lado instrumental, e numa linha melódica especialmente dramática. Aí vai uma das minhas favoritas:

-“Alanis Morissette – Joining You”
http://www.youtube.com/watch?v=dKVfo9SnH2E&feature=related

Bom proveito!

#38 - Requiem para uma Bruxa Doida

2008-07-02T09:36:00.004-03:00

Difícil crer que algo assim foi feito em 1939, sem qualquer tecnologia computadorizada. Apenas com talento e criatividade, esta sequência do clássico "O Mágico de Oz" não é apenas uma referência no gênero musical, como também um exemplo de número musical em substituição a uma extensa narrativa. Pura aula de fantasia. Deleitem-se com a maravilhosa Judy Garland (Dorothy) e o povinho pequeno, com canção de Harold Arlen (letra) e Herbert Stothart (música) feita para a cena em que a menina pousa na Terra de Oz matando, sem querer, uma temida bruxa:

“Ding Dong! The Witch Is Dead” (ponham essa janela diminuída ao lado e divirtam-se acompanhando a tradução):
http://www.youtube.com/watch?v=XOEq-ImGWJ0

(Glinda)
Saiam, saiam de onde quer que estejam
E conheçam a jovem dama que caiu de uma estrela
Ela caiu do céu, caiu de muito longe
E “Kansas” ela diz ser o nome da estrela.

(Munchkins)
“Kansas” ela diz ser o nome da estrela.

(Glinda)

Ela traz boas notícias, vocês não ouviram? Quando caiu de Kansas um milagre ocorreu!

(Dorothy)

Na verdade não foi milagre
O que houve foi só isto:
O vento começou a mudar, e a casa a balançar! E de repente as dobradiças começaram a soltar

E então a bruxa, para satisfazer seu desejo
Veio voando em sua vassoura desastrando-se num tombo

(Munchkin homem)

E oh!, o que aconteceu então foi ótimo!

(Munchkins)

A casa começou a balançar, e a cozinha abriu uma fenda
Ela pousou sobre a bruxa doida bem no meio de uma vala

O que não foi uma situação saudável para a bruxa doida.

A casa começou a balançar, e a cozinha abriu uma fenda
Ela pousou sobre a bruxa doida bem no meio de uma vala
O que não foi uma situação saudável para a bruxa doida
Que começou a estrebuchar, e reduziu-se a um mero trapo

Do que antes havia sido uma bruxa doida.

(Munchkin 1)

Nós te agradecemos docemente, por fazer isso tão habilmente

(Munchkin 2)

Você a matou tão completamente
Que nós agradecemos docemente

(Glinda)

Deixemos as adoráveis notícias se espalharem

A bruxa velha e doida finalmente morreu!

(Munchkins)

Ding-dong! A bruxa morreu!
Que velha bruxa? A bruxa doida!
Ding-dong! A bruxa doida morreu!Acordem, seus dorminhocos!
Esfreguem os olhos e saiam da cama!
Acordem! A bruxa doida morreu!
Ela se foi para onde os gnomos vão
Pra baixo! Pra baixo! Pra baixo!
Yo-ho! Vamos nos soltar e cantar e tocar os sinos!
Ding-dong! O feliz canta alto! Canta baixo
Deixem todos saberem! A bruxa doida morreu!

(Prefeito)

Como prefeito da cidade Munchkin
No condado da Terra de Oz

Eu dou-lhe boas-vindas muito majestosamente!

(Juíz)

Mas nós temos de verificar isto legalmente
Pra ver…

(Prefeito)

Pra ver…?

(Juíz)

Se ela…

(Prefeito)

Se ela…?

(Juíz)

Está moralmente, eticamente…

(Munchkin 1)

Espiritualmente, fisicamente…

(Munchkin 2)

Positivamente, absolutamente…

(Munchkin homem)

Inegavelmente e confiavelmente… morta!

(Legista)

Como legista afirmo que a examinei completamente
E ela não está meramente morta
Mas sim muito sinceramente morta!
(Prefeito)

Então este é um dia de independência
Para todos os munchkins e seus descendentes

Deixemos as boas notícias se espalharem
A bruxa velha e doida morreu!

-(E não se pode falar em O Mágico de Oz sem adicionar esta canção):
http://www.youtube.com/watch?v=10w_sEcHlGs&feature=related

Bom proveito!

#37 - Requiem para um Vivo

2008-07-02T09:27:00.003-03:00

Era março de 1791. Wolfgang Amadeus Mozart estava em sua casa em Viena, sofrendo estranha obsessão pela morte, após o falecimento de seu pai, quando um estranho bate à sua porta.

Recusando-se veementemente a se identificar, o estranho encomenda de Mozart um Réquiem (obra musical de homenagem aos mortos), e dá-lhe um vultoso adiantamento, avisando que voltaria em um mês.

O que pareceria então apenas mais um trabalho transformou-se num transtorno insano. Mozart, com a saúde debilitada, deprimido e afeito a idéias sobrenaturais passou a acreditar que a encomenda misteriosa daquele anônimo era um aviso do Destino. Um aviso de que aquele Réquiem era o anúncio de seu próprio funeral.

Mozart faleceu antes de concluir a obra, e embora haja especulações, a identidade do responsável pela encomenda permanece em relativo mistério. A versão mais aceita é a de que o homem era um enviado do conde Franz Walsseg, cuja esposa havia morrido. Ao que dizem, Franz pretendia que a obra fosse tocada em homenagem à esposa e afirmar-se autor dela perante os presentes, coisa que já havia feito antes.

Embora possa-se ouvir o Réquiem de Mozart inteiro, o mestre apenas pôde concluir uma parte dela. Coube a seu discípulo Franz Xaver Süssmayer a tarefa de tomar as partes e anotações de Mozart e finalizar aquela que seria uma das obras-primas da música clássica.

A parte que ouviremos chama-se “Domine Jesu Christe”, uma das mais vigorosas e extraordinárias de todo o Réquiem. Reparem a incrível perfeição com que as vozes e frases do coral se entrelaçam numa mistura que chega a parecer um caos harmonizado.

-“Wolfgang Amadeus Mozart – Réquiem em Ré Menor (Domine Jesu Christe)”
http://www.youtube.com/watch?v=xO3nT5cvaOo

- (este vídeo contém alguns problemas, mas condiz melhor com a força da música):
http://www.youtube.com/watch?v=xrkRX1UEZcg

Bom proveito!

#36 - E de ordinário só tem o mundo

2008-06-26T09:24:00.004-03:00

Na década de 80 o advento das sonoridades eletrônicas teve seu auge. Ainda assim, um dos grupos tidos como carro-chefe deste movimento poderia até não ser classificado como tal. A banda inglesa Duran Duran (nome baseado no vilão Dr. Durand Durand, do filme Barbarella) marcou substancialmente o mundo da música pop com uma combinação de fatores invejáveis a qualquer artista ou grupo, não importa o gênero: a dose controlada e correta de eletrônicos, melodias notáveis e arranjos bastante precisos.

Como é bem sabido, o Duran Duran teve uma trajetória milionária, e não demorou muito para que seus integrantes passassem a viver quase que efetivamente em hotéis de luxo. E embora isto pareça fato comum em gente de sucesso, no caso do Duran Duran tomou uma proporção psicologicamente perigosa mas quase invisível. Mais perceptível na atuação geral do cantor Simon Le Bon, é possível sentir um tom de apatia, talvez até de desconexão, principalmente nas músicas do Duran Duran que tem algum cunho social. Ainda assim, por muito tempo será impossível ficar indiferente à musicalidade da banda.

Apesar dos hits de êxito mundo afora, uma bela canção do Duran Duran, curiosamente, só fez sucesso no Brasil. Trata-se de “A Matter of Feeling”. Ouviremos esta e outra que talvez seja a mais conhecida da banda: a extasiante “Ordinary World”.

“Duran Duran – A Matter of Feeling”
http://www.youtube.com/watch?v=tjk1DUgrvmg

“Duran Duran – Ordinary World”
http://www.youtube.com/watch?v=FeXuOLliDro&feature=related

Bom proveito!

#35 - Houston, we have a song!

2008-06-24T14:41:00.005-03:00

Em 26 de maio de 1969 a NASA lançava ao espaço sua quarta missão tripulada: a Apollo 10. Com destino à lua, a canção que embalava a tripulação dentro da nave não poderia ser outra: “Fly Me to the Moon”.

A música, composta por Bart Howard em 1954, era tão bela que em poucos anos tornou-se um dos mais adorados standards de jazz. O próprio Vince Guaraldi (assunto do post #15) fez sua versão para a trilha de um dos desenhos de Snoopy, cujos personagens serviram de mascotes para a missão Apollo 10.

Ao longo dos anos, incontáveis cantores emprestaram suas vozes a “Fly Me to the Moon”, e aqui vão minhas duas favoritas:

-Frank Sinatra:
http://www.youtube.com/watch?v=1rAsoLm1Ges

-Karolina Pasierbska:
http://www.youtube.com/watch?v=rlU5SKE4eb4&feature=related

Bom proveito!

#34 - Toma tua guitarra e me siga

2008-06-17T09:57:00.002-03:00

Não é novidade que conforme o mundo do rock foi estabelecendo a febre dos “guitar heroes” (termo usado pra designar os guitarristas que tinham talento e mais fama, às vezes, que todos os membros de uma banda), foi surgindo no mundo uma quantidade infindável de tocadores ávidos por velocidade nos dedos, fator que engana os ouvidos inadvertidos e substitui o vazio de sentido musical de quem tem mais ego que criatividade.

No meio destes, Steve Vai surge como um profeta a mostrar para as ovelhinhas como é que se faz. Não há notícias, no meio guitarrístico, de alguém que alie como Steve extrema criatividade, flexibilidade e disciplina fora do comum. Dedicando-se a uma rotina de estudo diário de 8 ou mais horas, Steve impressiona não só na dominação de estilos e técnicas mas, para aqueles que observam o instrumento, é possível perceber em suas músicas que a criação das mesmas transforma seu modo de executá-las e frequentemente nos deparamos com sonoridades inusitadas. Isto é uma marca registrada, já que ouvindo outros grandes guitarristas, percebemos que grande parte das composições destes são advindas de técnicas.

Para Steve, a música origina o resto. Assim, para quem não está familiarizado com o instrumento, seria muito proveitoso ao ouvir prestar muita atenção às diferentes qualidades sonoras, texturas e vogais que ele consegue.

A primeira música sugerida, “For The Love of God”, é sem dúvida sua criação mais bela e famosa. Reza a lenda que Steve, ao ter a inspiração para o tema, ficou três dias sem comer nem dormir, até que concluísse a composição. Talvez este período desesperador tenha dado o nome, que traduzido seria “Pelo Amor de Deus”.

Nunca se sabe se essas lendas são verdade... Mas em se tratando de Steve Vai, e de sua entrega absoluta à guitarra, não me supreenderia se alguém viesse aqui dizer: “Essa lenda é mentira, na verdade ele levou oito dias”.

“Steve Vai – For The Love of God”
http://www.youtube.com/watch?v=avKhKDef9Vo&feature=related

“Steve Vai – Tender Surrender”
http://www.youtube.com/watch?v=Yw74sDWPH7U&feature=related

Bom proveito!

#33 - O que passou calou, e o que virá dirá.

2008-06-17T09:04:00.004-03:00

A mocinha que estudava piano e canto foi para a Itália, em busca do belcanto, mas resolveu deixar tudo para trás e mostrar por lá algum repertório brasileiro. Fez sucesso antes mesmo de lançar qualquer álbum.

A carioca Marisa Monte, tida pela revista Rolling Stone como a melhor cantora brasileira da atualidade, envolve-nos em intimismo e graça. Sua trajetória pelo estudo de voz lírica é perceptível em seu perfeccionismo e precisão vocal, mas que é conciso. Em outras palavras, Marisa faz o que considero o ato mais nobre dos seres humanos de voz privilegiada: colocar seu material em favor da música, e não usar uma boa música para exibir voz.

A sugestão aqui é uma canção feita em parceria com Carlinhos Brown (parceiro também nos Tribalistas, ainda com Arnaldo Antunes). O mais surpreendente em “Pra Ser Sincero” é o desenho harmônico (combinação de notas) que acompanha e abraça a melodia. É de causar sensações indescritíveis, à medida em que nos envolvemos por ele, por isso é interessante, para aqueles que não a conhecem, ouvirem três ou mais vezes. É uma experiência muito válida, já que a maioria de nós costuma ligar mais para letra e melodia.

Esta é a prova de que uma melodia não traz em si (como já ouvi músicos dizerem) a harmonia que a ela corresponde. Traz, é claro, apenas um conjunto sonoro que é possível entrever e construir à primeira audição.

“Marisa Monte – Pra Ser Sincero”
http://www.youtube.com/watch?v=Lk3jpgb-0iE

“Marisa Monte – Vilarejo”
http://www.youtube.com/watch?v=-g83_ZRGM48&feature=related

Bom proveito!

#32 - Três formas de dizer I wish you were here...

2008-06-10T13:29:00.004-03:00

O Dia dos Namorados é uma data cuja comemoração remonta a São Valentim, bispo católico que, no século III d.C., contrariou a ordem do rei Claudio Segundo que proibia casamentos (com objetivo de viabilizar a criação de grandes exércitos). O bispo casava os apaixonados secretamente, mas acabou decapitado no ano 270.

No Brasil, a data é comemorada em 12 de Junho por ser véspera do Dia de Santo Antônio, santo português que de tanto pregar a importância da união familiar, acabou com fama de casamenteiro.

No universo musical, a natureza humana demonstra grande interesse pela audição de músicas tristes que as façam refletir submersos no que chama-se modernamente “fossa”, ou que embora tristes e com letras advindas de choros, saudades e ciúmes, as façam, paradoxalmente, suspirar pela sorte de um par já adquirido.

Dentre um tanto de músicas românticas nas quais os sensíveis (ou os manteiga-derretida, grupo no qual declaro-me incluso) esbaldam-se, existe um número interessante de músicas muito famosas com nomes iguais. A este respeito, destaco uma parte da espantosa coleção de “Wish You Were Here”s:

“Wish You Were Here” do “Pink Floyd”:
http://www.youtube.com/watch?v=IXdNnw99-Ic

“Wish You Were Here” do “Blackmore’s Night”:
http://www.youtube.com/watch?v=qoYbVosc93U

E como não poderia faltar: a “Wish You Were Here” do “Bee Gees”
http://www.youtube.com/watch?v=ei7Eq3W5tyE

Escolha sua favorita e bom proveito!

#31 - Rompendo barreiras de aço

2008-06-10T13:20:00.002-03:00

Muitas bandas de rock pesado conseguiram quebrar certos paradigmas, mas talvez o grupo que mais tenha jogado pro ar as estruturas do Metal seja o Blind Guardian. A banda formou-se por volta de 1984, na Alemanha, e teve talento para estabelecer-se no cenário musical lá pelas rebarbas de grupos como Helloween, banda conterrânea e formada mais ou menos na mesma época (http://www.youtube.com/watch?v=-Dl6CLWLMzk).

Por cerca de dez anos, o grupo seguiu uma carreira sólida, mas em 1998 o Blind Guardian abalou positivamente o gênero lançando o álbum “Nightfall In Middle-Earth”. Neste trabalho surpreendente, a criatividade da banda atinge seu auge. Os velhos padrões do estilo “riff-solo” são trocados por arranjos de guitarra plenamente fluentes, fraseados e intercalando-se com perfeição às melodias vocais. As músicas, apesar de manterem seu clímax nos refrões, são imprevisíveis, e todo esse conjunto de características deve-se, possivelmente, ao conceito buscado para o álbum. Ele baseia-se, em todo, no livro “Silmarillion”, que é nada menos que uma coletânea de escritos de J.R.R. Tolkien, passados em eras da Terra-Média anteriores aos fatos de “O Senhor dos Anéis”. O livro, a propósito, serviu de óbvia inspiração a outra banda, a Marillion (http://www.youtube.com/watch?v=cwNVfNc1IQM)

Esse tipo de conceito acaba subordinando o processo criativo a um segmento narrativo, o que resulta em músicas com estrutura semelhante à ópera.

Mesmo para quem não é fã do estilo, vale a pena conferir. E adiciono também uma canção acústica surpreendente, de álbum anterior, chamada “The Bard Song”, ou “A Canção do Bardo”.

“Thorn”:
http://www.youtube.com/watch?v=6N8NdScs0yk&feature=related

“Nightfall”:
http://www.youtube.com/watch?v=vDGWff9cIvg&feature=related

“The Bard Song (In the Forest)”:
http://www.youtube.com/watch?v=u_tORtmKIjE

Bom proveito!

#30 - Finalmente, Romance nas Estrelas!

2008-06-03T15:40:00.002-03:00

Não há dúvidas de que a trilha sonora da série cinematográfica “Guerra nas Estrelas” foi o que tornou John Williams o nome mais popular do cenário, e teve o feito de trazer a música orquestrada para o cotidiano dos jovens que alienavam-se cada vez mais no rock. Em 1977 o primeiro filme foi lançado, mas ele era, na verdade, a quarta parte de uma saga. As partes 5 e 6 vieram em 1980 e 1983.

Mas não é desta época que quero falar. George Lucas, decidido por lançar as três partes iniciais para fechar sua saga, trouxe ao mundo Star Wars – Episódio I: A Ameaça Fantasma (1999), Star Wars – Episódio II: O Ataque dos Clones (2002) e Star Wars – Episódio III: A Vingança dos Sith (2005).

Mas o fato interessante é que esta nova fase de trabalhos teve uma oportunidade pela qual o mestre John Williams sentiu-se muito emocionado e cativado, especificamente para o Episódio II: em nenhum dos quatro filmes produzidos anteriormente havia sequer um tema romântico (ou tema de amor). Em “O Ataque dos Clones”, John comporia uma melodia para ilustrar o amor entre Padmé Amidala e Anakin Skywalker, ambos vivendo um romance proibido, trágico, de que viriam a nascer Luke Skywalker e a princesa Léia. Padmé falece no parto, e Anakin torna-se o antológico vilão Darth Vader.

Para este romance, John Williams compôs o que é, sem dúvida, um dos temas de amor mais cativantes e inspirados de que teremos notícia em muito tempo. Recheado de texturas e facetas, a música “Across The Stars” conduz-nos através de toda uma gama de sensações dramáticas...

... O momento de angústia que parece surgir em 1:39, mas que imediatamente torna-se um sorriso breve... O momento de tensão e ira que parece afogar o tema principal que emerge rarefeito de 2:04 a 2:42, trecho em que vai, pouco a pouco, mutando-se do lirismo para o marcial, dando talvez uma prévia da transformação de Anakin em Darth Vader.

-John Williams - Across The Stars:
http://www.youtube.com/watch?v=mXIpxrDYii8&feature=related

Bom proveito, e pegue o lencinho...

#29 - A doce e pacífica falta de assunto...

2008-06-03T13:12:00.004-03:00

Lembro-me da primeira vez em que a ouvi. O fato de o Inglês não ser minha língua natural pregou-me uma peça na mente, e a frase inicial da canção me pareceu “eu devia ter dançado contigo, e depois conversado”. Dei uma leve risada... Embora a tradução correta tenha me vindo depois, esta primeira impressão sobre a bonita “I’d Rather Dance With You” (cuja frase citada é “eu preferia ter dançado contigo, em vez de conversar contigo”) ficou marcada.

A letra sobre um indivíduo constrangido por sua falta do que dizer recheia-se de imagens simples, e talvez isto – junto à musicalidade agradável e movimentada – faça nossa mente vagar pelo sossego das coisas cotidianas, como o filme que se viu ou o livro que ainda não se leu.

Apesar de todas as músicas da dupla norueguesa “Kings of Convenience” serem criadas por ambos (Erlend Oye e Eirik Glambek Boe), a canção em questão deve ter tido como principal cabeça Erlend Oye, rapaz que já era famoso na escola, muito antes de meter-se nos palcos, portando seus óculos gigantes e trazendo na mente uma enciclopédia de trivialidades.

Assistir ao clipe de “I’d Rather Dance With You” é uma grande surpresa. Ele busca construir o enredo a partir da sensação de leve humor e dança que a musicalidade traz, tendo o próprio Erlend como personagem central.

-Kings of Convenience – I’d Rather Dance With You:
http://www.youtube.com/watch?v=C9r9sQ6PHOM

-Kings of Convenience – Misread:
http://www.youtube.com/watch?v=2emj7HXv6Ic&feature=related

Bom proveito!

#28 - ... E pra onde vai o coelhinho branco?

2008-05-28T16:32:00.004-03:00

Pobre do doutor Albert Hoffman, que lamentou-se pelo resto da vida...

Ao desenvolver uma medicação para tratamentos de alcoolismo e disfunções sexuais, ingeriu acidentalmente um pouco da substância, e viu-se na necessidade de interromper o trabalho devido a uma série de alucinações. Com a substância distribuída, não deu outra... Em pouco tempo a droga (batizada de LSD) estava difundida entre multidões ávidas por despertamento espiritual, contatos com espíritos, arroubos de inspiração, ou simplesmente um período de viagem e diversão fora do comum.

Formara-se aí um movimento grande, porém sem nome, que só foi batizado oficialmente (de Movimento Psicodélico) com o bombástico surgimento de uma banda estadunidense chamada Jefferson Airplane.

O grupo formou-se em 1965, e dois anos depois já estava estourado nas paradas, e sendo pioneiros em montes de experimentos musicais na mídia, entre eles a aparição num programa de TV tocando em frente a um chroma key (aquele efeito em que uma cor padrão na imagem é substituída por outra), com um fundo hipnótico de cores, recurso que foi imitado por uma infinidade de bandas a partir de então.

O Jefferson Airplane era um grupo assumidamente adepto dos alucinógenos, e membros chegaram a ser expulsos só por recusarem-se a usar drogas.

Tolo seria aquele que atribuísse a qualidade e ousadia da banda a tais viagens, já que qualquer um que observe o cenário atual pode constatar que dopar a mente não traz talento a ninguém... Eu, particularmente, já me sinto “dopado” o bastante pela vocalista bonitona...

A despeito disso, a temática do Jefferson Airplane ao menos é interessante, e suas músicas bastante memoráveis. Aí vão links das suas canções mais famosas:

“White Rabbit” (reparem a perfeita junção da letra com Alice no País das Maravilhas):
http://www.youtube.com/watch?v=3LdwGUXoXyA

“Somebody To Love”:
http://www.youtube.com/watch?v=JUbMWtUyIIE&feature=related

Ambas ao vivo:
http://www.youtube.com/watch?v=Q1cfTMdjkYM&feature=related

Interessante versão de “Somebody to Love” pelos Ramones, na verdade a primeira com que tive contato, ouvindo o CD “Acid Eaters” do meu primo:
http://www.youtube.com/watch?v=tdRFeprn_xc

Bom proveito, e diga não às drogas (principalmente as auditivas)!

#27 - O Cavalheiro Solitário

2008-05-27T09:36:00.004-03:00

Era uma noite de muita expectativa na cidade de Hamburgo. Era 1848. Um jovem virtuose do piano, de apenas quinze anos, estava para dar seu primeiro concerto público, organizado por ele próprio.

A sala encheu-se, e o pianista agitou os ânimos da platéia com um repertório cheio de agilidade e obras do gosto popular. Foi um sucesso estrondoso. O jovem músico, apalermado com a situação, do tipo que nunca vivera, estava nos bastidores a tomar fôlego, quando um homem entrou no recinto feito um furacão. O rapaz voltou-se para ele, e em sua hipnose extasiante abriu os braços para receber uma suposta congratulação calorosa. Mas Eduard Marxen, seu mestre, agarrou-o pelo paletó e o sacudiu:

- O que pensa que está fazendo, Johannes?
- O que foi, mestre? – assustou-se o jovem.
- É isto que você quer? Afundar nesse lodo de sorrisos e sucessos, enquanto joga fora sua alma para agradar todo mundo com esse monte de lixo?

Johannes teve um choque. Era o indivíduo mais sincero e humilde que o mestre Marxen conhecia. Queria ser compositor, mais do que tudo, e deixara-se levar, tão fácil, pela ilusão do sucesso barato. A partir de então, continuou estudando a fundo, e passou a finalizar suas primeiras obras oficiais.

Joseph Joachim, um grande violinista da época, após fazer algumas apresentações com Johannes, ficou maravilhado com seu talento, e logo arranjou-lhe uma carta de apresentação para que Johannes conhecesse Franz Liszt, pianista e compositor aclamado como o mais espetacular virtuose da época. Assim, o pobre rapaz viu-se, de repente, enfurnado numa sala em Weimar, junto de célebres convidados e diante do grande Franz Liszt. O clima de sofisticação e superficialidade que cercava o momento deixou Johannes um tanto perturbado. Liszt já havia tido contato com algumas obras de Johannes, e pediu que ele tocasse alguma delas para todos. O pedido foi gentilmente recusado, mas Liszt, sem fazer-se de rogado, pegou uma das partituras e tocou ele mesmo. Os convidados ficaram encantados, e Liszt, empolgado, anunciou:

- Vou agora tocar uma de minhas peças para que você conheça. – E executou uma de suas obras mais espetaculares, tirando o fôlego dos que ali estavam. Ao terminar, sorrindo, virou-se para analisar a expressão de Johannes Brahms, e teve um choque ao notar que ele estava cochilando na poltrona.

Brahms não teve mais contato com Liszt, pois não estava afeiçoado a todo aquele movimento de “grandiosidades” e “revoluções musicais” que reinava em Weimar. Suas obras eram tidas como puras, profundas e sentimentais, e eram criticadas e rejeitadas por toda a horda de seguidores (entre músicos, estudiosos e críticos) que julgavam-se apreciadores da verdadeira música: a que Richard Wagner e Franz Liszt estavam fazendo.

Anos se passaram, até que Brahms conheceu aquela que seria seu grande amor e inspiração: Clara Schumann. Pianista excepcional, Clara era esposa de Robert Schumann, que tornou-se grande amigo e apoiador de Brahms, mas tomado pela insanidade, foi posto num manicômio, onde veio a falecer.

Brahms passou a ser um grande sustentáculo, então, para Clara. Devotou-lhe a mais pura e sincera amizade, e jamais aproveitou-se da falta de Robert. Na mesma época, sua carreira passou a piorar, com sucessivos fracassos de suas músicas. O compositor entrou numa grande onda de tristeza.

Mas foi no mais fundo de sua depressão que Brahms encontrou a saída, ao compor, num relâmpago de ânimo, uma obra inesquecível. E quando sua Terceira Sinfonia estreou, nem os ferrenhos seguidores de Wagner e Liszt puderam ficar alheios a seu poder. Era a redenção do espírito, do compositor mais gentil, solitário e humilde que a história já conheceu: Johannes Brahms.

No aniversário de 65 anos de Clara Schumann, Brahms saiu para comprar flores, mas encontrou a loja fechada. Voltou para casa, e decidiu dar a ela, de presente, a partitura do Terceiro Movimento desta Terceira Sinfonia.

Esteja pronto para o tema principal, tido como o mais belo de toda a obra de Brahms, pois em alguns pode causar profunda tristeza, noutros o escuro da solidão, e noutros ainda o vislumbre da beleza do desconhecido. A obra resume a alma do artista, imbuindo-se de diferentes atmosferas, que intercalam-se de modo bastante sutil, hora imprimindo mistério, hora um ensaio de sorriso.

“Johannes Brahms – Terceira Sinfonia, Terceiro Movimento”:
http://www.youtube.com/watch?v=aNQSzTyvDw4&feature=related

E essa é pra relembrar os sonos da infância:
“Johannes Brahms – Lullaby”:
http://www.youtube.com/watch?v=t894eGoymio

- “Não posso compor como Beethoven, ou como Mozart, mas que eu possa ser puro como eles.”

Bom proveito!

"Gosto" não se discute, se trata

2008-05-21T13:30:00.005-03:00

Ouvir um só estilo, um só tipo de música, pra mim chega a ser patológico. É mais ou menos como uma pessoa que só se permite apaixonar-se por exemplares do sexo oposto que tenham características xís que elas (sabe-se lá por que razão) estabelecem. É o que mais vemos por aí, e é um fato constante em minhas lembranças do colegial nos diálogos com meus velhos amigos.

A coisa é mais grave do que parece, porque não nos damos conta de estarmos lançando atenção exclusiva ao pacote, em detrimento daquilo que mais importa: o que somos, o que nos torna humanos, o que move um mero amontoado de carne e ossos.

Impossível a qualquer um explicar o que é música. De onde ela vem, e por que um apanhado de sons é capaz de movimentar tamanha quantidade de pensamentos, emoções, imagens e lembranças?

Embora não consigamos cogitar sua causa e origem, qualquer músico sabe por que meios essenciais a música se apresenta a nós, em nosso plano. Pra dizer de um modo geral, a união dos elementos ritmo, harmonia e melodia é o que nós classificamos como música, de um modo íntegro, por assim dizer. Sendo fato que esta linguagem utiliza-se das vibrações do ar para materializar-se (chegando assim a nossos ouvidos, cérebros, e por fim nossos espíritos), a ela precisa-se somar elementos instrumentais, através dos quais a música possa existir de fato.

Assim, fica claro que uma mesma criação musical pode adquirir sonoridades diferentes, dependendo do instrumento pelo qual surja. Eis aqui uma grande questão... É óbvio que o instrumento acaba se somando aos elementos essenciais da música (ritmo, harmonia e melodia), mas esta soma não se aplica como essência, já que tocar uma música por diferentes instrumentos não a modifica, mas apenas dá-lhe aspectos variáveis relativos.

Desse modo fica claro que quem ouve exclusivamente um estilo musical, está subordinando sua percepção e sensibilidade a uma roupagem, e não à música. Está limitando-se à proporção em que cria em sua consciência a ilusão de que o que faz uma música ser boa não é a música em si, mas o modo como ela se apresenta. É como admirar uma pessoa pela roupa que ela veste, e não por sua humanidade e personalidade.

Tendo música como profissão, brinco em minha mente com idéias musicais quase que o tempo todo, e costumo fazer algo que acredito ser bastante interessante: às vezes lembro de alguma música da moda, dessas que caem no gosto de milhões do dia pra noite, e desfaço a instrumentação dela. Deixando dela apenas ritmo, harmonia e melodia, imagino-a num arranjo simplíssimo para piano. Faço isso porque acredito que uma música que é bela, o é pela essência, e continuará sendo bela mesmo se a apresentarmos com o máximo de minimalismo. Geralmente dessas músicas citadas não sobra absolutamente nada... Mas não coloco isto como evidência da teoria, já que posso ser um péssimo arranjador... ¬¬

E como este blog não é só de ler, mas também de ouvir, tenho o grande prazer de postar, como exemplo, uma pequena obra, simplíssima e muito bonita, de autoria do veterano Kalau, artista premiado por suas trilhas teatrais. A música chama-se “A Cidade”, e é parte da trilha sonora (indicada ao Prêmio Shell) da peça “Cinema Éden”.

http://www.youtube.com/watch?v=jeP2VFTcPiw

Muito mais do trabalho de Kalau pode ser acessado em:
http://www.kalau.com.br/

Bom proveito!

#26 - Avôhai (um sopro dos etês)

2008-05-21T09:34:00.006-03:00

E se existe artista capaz de reunir mitologia grega, história em quadrinhos e poesia do cotidiano a uma primorosa capacidade musical, que esta sina recaia sobre Zé Ramalho.

Nascido na Paraíba, em 1940, o primo de Elba Ramalho (com quem compartilha supostos contatos com seres extraplanetários) sempre fora de muitas misturas, mas a pior delas foi a de sua alma artística com a busca da sensação de liberdade. Embrenhado desde muito jovem em meio aos grandes cantadores (inclusive Alceu Valença e Raul Seixas) não se evitou de usar drogas. Nos anos 70, já em carreira, construiu uma casa à beira-mar, exclusiva para reunir amigos e “sacudir a região”. Deixou o vício por completo somente em 1989, para o bem de sua vida e arte.

Sobre este episódio compôs “Vila do Sossego”, canção de oposições, em que o arranjo vocal em tom sublime contrasta com sua voz rígida e resoluta a recitar uma letra visceral.

"Vila do Sossego":
http://www.youtube.com/watch?v=GbygYXEwoTA

E sua poesia e raiz nordestina ganham brilho especial na maravilhosa e enigmática “A Terceira Lâmina”:
http://www.youtube.com/watch?v=XYwxCn0nMPI

Bom proveito!

#25 - Criatividade superando a falta de Bits

2008-05-13T09:58:00.002-03:00

Na segunda metade da década de 80 a febre dos videogames atingia seu auge. A Era dos 8-Bits havia trazido aos lares das pessoas uma ferramenta de entretenimento muito mais atrativa em questões de complexidade interativa e gráfica dos jogos.

Mas um outro detalhe ganhou espaço essencial na criação dos games, já que a possibilidade polifônica também havia atingido a nova tecnologia: a música. O Japão reinou absoluto (e receio não estar exagerando) nesta área, com o surgimento de compositores de extremo talento e apaixonados pela nova possibilidade.

A estes músicos, porém, não bastava ter criatividade. Era necessário também que conseguissem subordinar certa parte de seu pensamento musical às possibilidades da tecnologia 8-Bits, para conseguir o melhor resultado possível a despeito das grandes limitações sonoras.

Ouviremos a seguir algumas das músicas que ganharam o coração de milhões na época, através das séries de jogos para Nintendo "Zelda" e "Mega Man". Se eles estão rankeados entre as 10 séries de games mais geniais da história, suas trilhas sonoras vão ainda mais longe em adoração, perdendo somente para o antológico tema de "Super Mario Bros." (que, a propósito, é de Koji Kondo, mesmo compositor de "Zelda").

São melodias heróicas, alegres, que jogam o ânimo para cima. Hoje em dia, infelizmente, as crianças e jovens são bombardeados com jogos cujas imagens grotescas, monstruosas e sangrentas são acompanhadas por trilhas também obscuras e grotescas. Não é o teor da crítica elas serem assim. É só uma pontuação para que se note o quanto as músicas daquela época refletiam a verdadeira pureza, fantasia e inocência da infância e juventude. Atualmente perde-se tudo isso cedo demais.

Para aqueles que não vivenciaram esta época, é só imaginarem estar ouvindo um belo ringtone de celular! Vamos aos temas:

Mega Man 3 - Introdução (de Yasuaki Fugita - 1990)
http://www.youtube.com/watch?v=TiQgYfyUdDs

Mega Man 2 - Flash Man (de Manami Matsumae - 1989)
http://www.youtube.com/watch?v=fsW3oYwD2oM

Mega Man 3 - Magnet Man (de Yasuaki Fugita - 1990)
http://www.youtube.com/watch?v=h92upxAitdk&feature=related

Mega Man 5 - Stone Man (de Yasuaki Fugita - 1992)
http://www.youtube.com/watch?v=TOzdjR91wag

Mega Man 6 - Blizzard Man (de Yasuaki Fugita - 1993)
http://www.youtube.com/watch?v=dQKiHZVLFAk

Mega Man 2 - Metal Man (de Manami Matsumae - 1989)
http://www.youtube.com/watch?v=si8HiBgcg_U

Zelda - Introdução (de Koji Kondo - 1986)
http://www.youtube.com/watch?v=v7aN5wPdNFU

Bom proveito!

#24 - Amores Vêns, Amores Vãos...

2008-05-12T12:29:00.004-03:00

E Otto Preminger com certeza devia ter pensado: “esse homem acha que sabe mais sobre o filme do que eu?!”

Ele dirigia, em 1944, o filme noir “Laura”, e já vinha sofrendo diversos palpites do mestre compositor David Raksin (1912 – 2004). O principal deles havia sido a respeito de uma cena que o diretor Otto encurtara, por achar longa. Nela, o protagonista, um detetive que investiga o suposto assassinato de uma belíssima e rica mulher, entra no apartamento desta, e passa a caminhar e observar todos os cômodos, até deter-se aparvalhado, diante de seu retrato.

O compositor Raksin chamou a atenção de Otto para o peso psicológico da cena, imprescindível para estabelecer na mente de todos o conflito de um homem apaixonando-se perdidamente por uma mulher supostamente morta. Na verdade Laura aparece viva logo em seguida, mas Raksin percebeu que a fotografia do filme (único Oscar que a obra levou) causava-lhe uma grave impressão de ilusão, que o levava a questionar constantemente sua razão quanto à real existência daquela mulher, durante todo o filme. Otto acatou o conselho, e sua indicação ao Oscar veio.

Ainda assim, durante o processo, outro impasse surgia quanto à trilha sonora do filme. Otto desejava utilizar como tema uma canção famosa chamada “Sophisticated Lady”. Raksin novamente meteu seu glorioso bedelho, perguntando a Otto que conexão ele via entre a personagem Laura e aquela canção. Como resposta, Otto apenas disse: “Bolas... se é assim, então me apareça até segunda-feira com algo melhor! Senão eu uso esta mesmo!”. Era sexta-feira.

É aqui, então, que ocorre um dos mais tocantes fatos da história da música para cinema. Raksin passou a sexta e o sábado compondo diversos temas, sem satisfazer-se com nada. Decidindo relaxar por um momento, saiu para um breve passeio no domingo, e ao chegar em casa, deparou-se com uma carta de sua esposa, e no envelope: “Dear David”. Pegou a carta e guardou-a no bolso, indo direto ao piano, afinal tinha muito trabalho pela frente. Ainda assim, seu bloqueio criativo frustrou-o por vários minutos.

Em dado momento, Raksin decide fazer algo que costumava ajuda-lo em momentos assim. Gostava de colocar diante de si uma foto bonita, ou um poema, para deixar a mente vagar e assim a criatividade surgir. Lembrou-se da carta de sua esposa, e animou-se. Pegou-a do bolso e abriu. Ao ler, tomou um choque: sua esposa o estava deixando. Estranhamente, como que por uma agoniosa mágica, a primeira coisa que ele fez foi pôr a carta diante de si e tocar os primeiros acordes que viriam a tornar-se uma das canções cinematográficas mais belas e regravadas:

David Raksin – Laura:
http://www.youtube.com/watch?v=Baj5Q7H5q6s

Nesta versão, ela é interpretada por Carly Simon, cantora de altíssimo reconhecimento internacional, cuja ligação com o sentimento de Raksin relacionado à criação de “Laura” pode ser especial, já que o florescimento de sua carreira envolveu uma separação dolorosa relacionada a casamento (o de sua irmã, com quem formava uma dupla), que seu primeiro álbum solo trata sobre casamento, e que o seu próprio com o grande gênio folk James Taylor não perdurou.

Aproveito, então, para linkar uma música de Carly, do álbum homônimo de 1987. A música é uma surpresa, já que o aparente pop romântico ganha boas caras por tratar de esperança e de família, numa temática que diz mais ou menos: ainda que tudo sempre mude, se você estiver disposto a jogar o jogo, as coisas boas sempre encontrarão um modo de voltar.

Carly Simon – Coming Around Again:
http://www.youtube.com/watch?v=AZ_X4DeEcKk

Bom proveito!

(E créditos do título do post à poetiza Mariana Campos)

#23 - Aqueles foram os dias...

2008-05-06T12:09:00.005-03:00

O compositor russo Boris Fomin (1900 – 1948) incorporou muito do estilo cigano em suas músicas, embora seja difícil dizer pelos meios lógicos em que elementos das mesmas elas se entrelaçam.

Saber que ele era grande freqüentador aleatório de tavernas é uma informação bem satisfatória para estabelecer uma conexão, mas ela satisfaz apenas um aspecto externo e estético de seu estilo.

Boris só conseguiu deixar uma marca, criar um ícone da música cigana (mesmo sem ser um), quando, no auge da vida, viu-se desiludido a lembrar das épocas passadas, quando tinha grandes sonhos e podia dividi-los como se o fracasso fosse impossível, não importando o tamanho da imaginação.

É desse universo nostálgico que surgiu a antológica canção Дорогой длинною ("Dorogoi dlinnoyu"). Ao mesmo tempo em que sua melodia e energia imprimem ânimo e ritmo em nossas almas, a letra revela um coração aparentemente partido pela discrepância entre presente e passado; um passado onde sonhar com tudo de maravilhoso que se faria nunca era demais.

E por fim... Se ainda está se perguntando o porquê dessa foto do Pedro de Lara, então vá logo a um dos links e provavelmente poderá provar um pouquinho da nostalgia que inspirou nosso caro Boris...

Links:

- Versão tradicional:
http://www.youtube.com/watch?v=xXbBrj3uX8M

- Versão menos tradicional:
http://www.youtube.com/watch?v=_TStyce4flQ

- Versão moderna:
http://www.youtube.com/watch?v=y6pVdnuOrbE&feature=related

Bom proveito!

#22 - Um Conto das fadas emo de Tim

2008-05-06T10:07:00.007-03:00

Chegara o ano de 1990, e uma dupla inseparável havia ganho imenso prestígio no mundo cinematográfico, após seus trabalhos com “Bettlejuice” (Os Fantasmas se Divertem, 1988) e “Batman” (1989). O diretor Tim Burton e o compositor Danny Elfman haviam consolidado, com estes dois (até então) últimos trabalhos uma parceria bastante eficaz, geradora de um conteúdo estilístico que veio a ser a marca registrada dos filmes de Tim: a operística em preto e branco, clima de mistério e muitas olheiras.

Mas em 1990 foi lançado o filme que seria, por muitos, considerado a obra-prima do diretor. Tratava-se de “Edward Scissorhands” (Edward Mãos-de-Tesoura), uma fábula criada pelo próprio Tim, em que um cientista amalucado desenvolve um rapaz. Numa tragédia, o cientista morre sem dar a ele um último detalhe: mãos humanas. A solitária criatura, então, é descoberta acidentalmente por uma vendedora de cosméticos, que encantada e compadecida, decide leva-lo daquela mansão abandonada para morar com sua família.

O compositor da trilha, Danny Elfman, apesar de já portar na época boa experiência com grandes filmes, diz que só sentiu que poderia ser chamado de “compositor de trilhas” após ter trabalhado neste filme, que afirmou ser ter sido mais difícil que “Batman” (http://www.youtube.com/watch?v=X4ydxgekFls&feature=related), trabalho que o havia esgotado.

Em Edward Mãos-de-Tesoura Danny compôs, entre tudo, dois temas que são principais no filme. O primeiro tema escolhido chamava-se inicialmente “Edward’s Theme”, uma música profunda e extremamente sensível. Apaixonando-se de imediato por ela, Tim Burton disse ao compositor Danny que iria usa-la também na seqüência de abertura do filme. Apesar da grande empolgação de Tim, Danny não gostou da idéia, porque gostaria de usar a melodia aos poucos, conforme o mundo emocional do personagem Edward fosse crescendo e se aprofundando. Para a seqüência de abertura, cuja tônica parecia “mecanização”, Danny compôs algo que realçasse esta maquinação, imprimindo sua costumeira aura de mistério, adicionando também uma pitada de inocência.

A idéia de Danny fez muito sentido para o diretor, e assim desenvolveu-se a trilha. O tema relativo ao universo sentimental da criatura Edward passou a chamar-se “Ice Dance” (dança no gelo), e ganha força numa cena das mais belas e singelas de toda a obra de Tim, em que a personagem Kim (interpretada por Winona Ryder) dança sob uma chuva de neve, criada enquanto Edward molda, com suas mãos de tesoura, uma gigantesca escultura num bloco de gelo.

Links:

- Abertura:
http://www.youtube.com/watch?v=fNaoFNjZJ_w

- Ice Dance:

http://www.youtube.com/watch?v=m76y34uQ2eg&feature=related (completa)
http://www.youtube.com/watch?v=9A74RTSj24A (a cena)

Bom proveito!

#21 - Metades, fases e faces

2008-04-28T09:56:00.004-03:00

A noite já havia deitado a escuridão sobre as ruas daquela remota aldeia de pescadores. Alguns pequenos focos de luz procuravam vencer as trevas, em alguns casebres, e principalmente no precário bar da região. Lá dentro os homens jogavam conversa fora, aqui e ali.

- Chegou um cara esquisito aqui esses dias, cê viu? – pergunta um deles ao companheiro que dividia a mesa e uma cerveja.
- Fora de temporada? Vi não...

Instantes depois entra no local uma figura tranqüila e resoluta, cabelos grandes e barba espessa. Trazia os olhos profundos mais tristes do que o sorriso que parecia querer brotar de seus lábios.

- Olhaí o próprio! – cochichou o primeiro.
- Que cara esquisito... Parece daqueles poeta solitário que vive cantando nossas mulhé.
- Ah... se ele vier com esses papo... – era tarde demais, pois o assunto dirigia-se até os dois.
- Boa noite! Posso me sentar? – pediu com gentileza o “poeta solitário”.
- Pode sim, claro – disseram os dois.

Após as primeiras apresentações, e algum silêncio, um dos nativos pergunta, no meio de um gole:

- Então... que anda fazendo por essas bandas sozinho?
- Nada de mais – respondeu, com certa tristeza. – Acho que fugindo de alguma coisa.

O par da região entreolhou-se, compreendendo algo.

- Ah... tá numa fase ruim, é?
- Bom... acho que não temos fases... temos faces.

Outro olhar foi trocado pelos matutos, este mais longo e pesado. Em seguida, o homem pediu licença e apontou para o balcão, para onde dirigiu-se.

Pediu algo ao velho que atendia, pouco antes de virar o rosto, dar “Boa noite” e puxar papo com os figuras ao seu lado.

--------------------------------

Oswaldo Montenegro compôs música e letra da canção a seguir, que talvez seja uma das mais belas obras que postarei aqui em muito tempo. Melodia intensa, harmonia perfeita e poesia deliciosa e precisa:

- Oswaldo Montenegro – “Bandolins”:
http://www.youtube.com/watch?v=VqBj0BPZ3dU

Bom proveito!

#20 - As Belas Feras

2008-04-25T09:39:00.005-03:00

Era praticamente impossível sair ileso à seqüência de abertura da animação “A Bela e a Fera”, da Disney. E as discussões a respeito de tamanha mágica inquiriam a narrativa, a beleza das imagens, mas as conclusões sempre acabavam caindo, em especial, na música que percorre a cena. O que poucos sabem (méritos à parte ao veteraníssimo compositor Alan Menken) é que o real responsável pela composição da música em questão é um mestre francês, já falecido desde 1921.

A obra utilizada na abertura de “A Bela e a Fera” é uma das partes da suíte “Carnaval dos Animais”, de Camille Saint-Saëns. A diferença consiste apenas numa aceleração do desenho melódico principal, e a não utilização de algumas variações da original. A parte em questão chama-se “Aquarium”, uma pequena obra-prima de impressionante mistério e encantamento.

Camille Saint-Saëns foi bastante criticado pelos eruditos de sua época, já que muitas de suas obras eram consideradas simplórias e de fácil execução. A verdade é que Camille era mais um “excitado” do que um “sentimental”. Ao compor, buscava texturas, cores e mágica, através do inusitado resultante da expressividade, e não da erudição.

Posto também a parte mais famosa de “Carnaval dos Animais”, chamada “O Cisne” (talvez a melodia mais conhecida de Saint-Saëns).

Links:

-Aquarium:
http://www.youtube.com/watch?v=AsD0FDLOKGA

-O Cisne:
http://www.youtube.com/watch?v=8VxmaZFms_E&feature=related

-Abertura de “A Bela e a Fera”:
http://www.youtube.com/watch?v=i9i3xWTEKIk&feature=related

Bom proveito!

#19 - A Gênese: Reunião e Explosão

2008-04-21T13:11:00.009-03:00

O frio da Inglaterra reforçava os cinzentos humores do contingente discente e docente da conceituada escola Charterhouse. No meio de uma multidão de garotos alienados pela castradora disciplina do local, um trio reunia-se para criar músicas de rock, a contragosto de seus pais.

Era meados de 1967 e o propósito inicial de Peter Gabriel (voz e flauta), Mike Rutherford (baixo) e Tony Banks (teclados), era compor canções para vendê-las a artistas e gravadoras. Como ninguém queria comprá-las, decidiram eles próprios formarem uma banda e pô-las em prática. Assim surgiu o Genesis, que viria a tornar-se uma das melhores bandas de rock progressivo de todos os tempos. Duas tragetórias, no entanto, muito chamam a atenção na carreira do Genesis. São os dois gênios musicais Peter Gabriel e Phil Collins.

O vocalista Peter Gabriel era uma atração à parte em todos os shows da banda, imprimindo com maestria o elemento teatral às apresentações, ao ponto de os outros membros questionarem o uso de tais recursos.

Phil Collins, por sua vez, pode ser apresentado apenas mencionando-se que durante os testes do Genesis para encontrar o primeiro baterista, os outros integrantes já sentiram que era ele o cara ideal, após verem-no simplesmente tomar as baquetas e sentar-se à bateria.

O Genesis seguiu firme e forte por um tempo, após uns trancos e barrancos iniciais, até que Peter Gabriel decidiu deixar o grupo, querendo dedicar-se mais à vida pessoal. Ele chegou a admitir, muitos anos depois, que sentiu intensos ciúmes com o fato do Genesis ter estourado no mundo inteiro logo após sua saída, afinal, esperava que sua ausência tivesse maus impactos. E boas surpresas coloriram esta transição, já que Phil Collins, o baterista, assumiu os vocais. Isto ocorreu pois ao comandar os testes na busca de um cantor novo, ele sempre mostrava aos candidatos como cantar, e na verdade sempre cantava melhor que todos. Sob o comando de Phil, o Genesis foi aos poucos tomando um aspecto mais pop, fato que agradou a muitos e desagradou fãs mais conservadores.

Após anos de constante ascendência, Phil começa a enfrentar sérios problemas pessoais, e pede ao grupo para que possa fazer uma pausa, até que consiga resolver-se. Sua esposa, desagradada com sua constante ausência pelas turnês, queria divórcio. Phil fez o possível para recuperar o casamento, mas a mulher, por fim, optou pela separação. Entristecido, o cantor passou uma temporada isolado em uma casa, e escreveu diversas cartas para a mulher. Decidindo-se por não enviá-las, foi compondo canções com elas(http://www.youtube.com/watch?v=jXBuhk-8sWs), até que o produtor do Genesis, em uma visita, ouviu as mesmas e aconselhou-o a gravar um álbum. Assim começou a muito exitosa carreira solo de Phil Collins, como cantor pop. Suas músicas ganharam não só temática romântica, mas também crítica social, como no hit (http://www.youtube.com/watch?v=ftlYLcEW_I4&feature=related).

Paralelamente, o ex-Genesis Peter Gabriel estourava nas paradas (também como cantor pop) com um hit cujo clipe tornou-se um marco, tamanha sua criatividade. Tratava-se da maravilhosa “Sledgehammer” (http://www.youtube.com/watch?v=hqyc37aOqT0)

Nos links a seguir poderemos analisar alguns aspectos da grande mudança de estilo ocorrida no Genesis desde seu início até seus momentos finais:

-Genesis - Firth of Fifth (da era Peter Gabriel, é uma das criações mais incríveis da banda, em que podemos sentir a capacidade criativa do tecladista Tony Banks. Destaque para o apoteótico solo de guitarra em 6:25, do lendário Steve Hackett):
http://www.youtube.com/watch?v=5vtfLIxV7uo

-Genesis – Mama (da era Phil Collins mais adiantada. A música fala sobre a atração de um jovem por uma prostituta mais velha. Ela tem um aspecto eletrônico, e sua intensidade é uma crescente hipnótica):
http://www.youtube.com/watch?v=lx7ENNe5VhY

-Solo de Bateria (Phil Collins mostrando o que sabe, em dueto com Chester Thompson):
http://www.youtube.com/watch?v=XUR4k0LyTdc&feature=related

Bom proveito!

#18 - Dó-Ré-Mi (ou com quantas notas se faz um clássico)

2008-04-21T10:02:00.006-03:00

Um trem cortava a noite, indo do vilarejo de Tyrol (Áustria) para Viena. Dentro dele, uma mulher grávida estava dando à luz uma menina que não pôde esperar mais para chegar ao mundo. Era Janeiro de 1905, e assim nasceu Maria Kutschera, que sete anos adiante tornaria-se órfã, e já adulta, noviça e professora de canto, casaria-se com o viúvo Georg Ritter von Trapp tornando-se madrasta de seus sete filhos.

A partir daí teve início a história do grupo vocal Trapp Family Choir, que não só tornou-se um livro, mas também um musical da Broadway, estreando em 1959 com absoluto sucesso. Poucos anos depois, a empreitada transformaria-se num dos maiores clássicos da história do cinema, em “A Noviça Rebelde” (“The Sound of Music”). O filme trouxe as antológicas canções criadas pela veterana dupla Richard Rodgers (música) e Oscar Hammerstein II (letra).

Entre os diversos números musicais do filme, alguns ganharam ainda maior fama, sendo executados exaustivamente nas rádios do mundo todo, como a canção “Do-Re-Mi”. Nesta, Rodgers consegue, com uma simplicidade absurda – utilizando somente as sete notas básicas – compor uma melodia que em certo ponto parece uma orquestra com dezenas de elementos. Ela é executada na cena em que a noviça tenta ensinar as sete crianças a cantar, e o que começa como uma simples lição de “dó-ré-mi” vai aos poucos tornando-se um número musical de tirar o fôlego.

O filme foi premiado com os Oscars de: Melhor Filme, Melhor Diretor, Melhor Montagem, Melhor Som e (claro) Melhor Trilha Sonora.

Além de linkar a canção “Do-re-mi”, trago também “My Favourite Things”, uma belíssima criação para a cena em que a cama da noviça é invadida por um exército de crianças amedrontadas com os trovões.

Links:

“Do-Re-Mi”
http://www.youtube.com/watch?v=Wc99NJn_Pj4

“My Favourite Things”
http://www.youtube.com/watch?v=sRewk6dQozA&feature=related

Bom proveito!

DO-RE-MI (A letra está parcialmente traduzida, e com esclarecimentos que julguei interessantes pra se entender a lógica da canção):

“Vamos começar bem do início
Um bom lugar pra se começar
Quando você lê começa por:
‘A-B-C’
Quando canta você começa por do-re-mi
‘Dó-ré-mi’
Dó-ré-mi
As primeiras notas acontecem assim:
Dó-ré-mi
‘Dó-ré-mi’
Dó-ré-mi-fá-sol-lá-si...

- Ah… deixa eu ver se consigo facilitar:
Doe, a deer, a female deer ("do" pronuncia-se como “doe”, e refere-se a um cervo fêmea)
Ray, a drop of golden sun (“re” se pronuncia como “ray”, que significa raio, uma gota do sol dourado)
Me, a name I call myself (“me” é o mesmo que “eu”, “o nome pelo qual me chamo”)
Far, a long long way to run (“fá” soa parecido com “far” que significa “longe”, uma grande distância a percorrer)
Sew, a needle pulling thread (“so” pronuncia-se como “sew”, referindo-se ao ato de costurar com agulha e linha)
La, a note to follow sew (“la” é apenas referida como a nota que segue “sol”)
Tea, I drink with jam and bread (“ti”, a nota “si”, pronuncia-se como “tea” que é chá, e o verso fala em chá com pão e geléia)
That will bring us back to do... (e em seguida volta-se ao “dó”)."

#17 - Entre a chama mística e a água de chuva

2008-04-14T08:47:00.002-03:00

… E quem iria condenar o garotinho que viciara em versos e rimas? Se Pernambuco toda bebia do mesmo pecado... Assim cresceu José Paes de Lira, declamador e músico arcoverdense, entre teatros e afins, esbanjando energia e paixão entre histórias e estórias em verso.

Em 1997, já adulto, criou um espetáculo teatral que era basicamente um apanhado de textos regionais, entremeados por algumas músicas. A empreitada fez muito sucesso, e ganhou apresentações por todo o interior de Pernambuco.

Com o passar do tempo, a música foi ganhando mais e mais espaço, e em 2001 o Cordel do Fogo Encantado (nome do primeiro espetáculo, adotado efetivamente pelo grupo) entrou em estúdio para gravar o primeiro CD, de mesmo nome. Foi então que o Cordel ganhou projeção nacional, ao passo que suas apresentações ao vivo fulminavam as platéias com uma energia humana e sonora além do comum.

Discordo bastante daqueles que afirmam ser o Cordel um dos maiores representantes da cultura musical brasileira. Apesar disso ter lá sua grande verdade, acredito que os elementos de sua música que são decisivos no ganho de público são justamente os que vêm de outras culturas: a africana (na percussão), e a espanhola/argentina (em muitos dos arranjos de violão), muito embora possamos justificar que a cultura brasileira é exatamente um misto de culturas.

Laureado com diversos prêmios, como: banda revelação pela APCA, melhor grupo pelo BR-Rival, Caras, TIM, Qualidade Brasil e o bi-campeonato do Prêmio Hangar, o Cordel, hoje, já prioriza 100% a música. Até antes de 2006, concebiam primeiro um contexto teatral, para depois criarem as canções.

- Chover (ou invocação para um dia líquido)
http://www.youtube.com/watch?v=9I4pUXeJKAI&feature=related (ao vivo)
http://www.youtube.com/watch?v=wVRO4CnzGzU (clipe)

- Palhaço do Circo Sem Futuro
http://www.youtube.com/watch?v=a0MuxMjY1vo (ao vivo)

Bom proveito!

Chover (ou invocação para um dia líquido)

"O sabiá no sertão
Quando canta me comove
Passa três meses cantando
E sem cantar passa nove
Porque tem a obrigação
De só cantar quando chove

Chover chover
Valei-me Ciço o que posso fazer
Um terço pesado pra chuva descer
Até Maria deixou de moer
Banzo Batista, bagaço e banguê

Chover chover
Cego Aderaldo peleja pra ver
Já que meu olho cansou de chover
Até Maria deixou de moer
Banzo Batista, bagaço e banguê

Meu povo não vá simbora
Pela Itapemirim
Pois mesmo perto do fim
Nosso sertão tem melhora
O céu tá calado agora
Mais vai dar cada trovão
De escapulir torrão
De paredão de tapera

Bombo trovejou a chuva choveu

Choveu choveu
Lula Calixto virando Mateus
O bucho cheio de tudo que deu
suor e canseira depois que comeu
Zabumba zunindo no colo de Deus
Inácio e Romano meu verso e o teu
Água dos olhos que a seca bebeu

Quando chove no sertão
O sol deita e a água rola
O sapo vomita espuma
Onde um boi pisa se atola
E a fartura esconde o saco
Que a fome pedia esmola

Seu boiadeiro por aqui choveu
Seu boiadeiro por aqui choveu
Choveu que amarrotou
Foi tanta água que meu boi nadou.”

Escutar Música & Ouvir Música

2008-04-10T13:01:00.001-03:00

Em algumas conversas com amigos (especificamente as que motivaram a criação desta série de postagens), de tempos atrás, parecia surpreende-los eu dizer que detestava ouvir música enquanto fazia outras coisas. Em suma, que gostava mesmo é de dedicar exclusividade ao ato de ouvir música.

A princípio isto pareceu uma mera característica, mas passei a questionar o quanto prejudica nossa capacidade de percepção, concentração e sensibilidade o hábito terrível (e ingenuamente elogiado como “moderno”) que nós temos de fazer várias coisas ao mesmo tempo.

Na verdade, se eu tentar pensar neste exato momento em alguém entre meus conhecidos que tenha o costume de dedicar algum tempo somente para ouvir música, não vou lembrar de uma alma sequer... O que vejo por toda a parte são pessoas enfiando melodias no ouvido enquanto correm pela rua, dormem no ônibus, lêem(!), conversam ou curtem com os amigos etc..

A música atualmente é um mero acessório secundário, e não é à toa que nossa sensibilidade e capacidade de percepção estejam cruelmente atrofiadas, fato que constata-se facilmente observando o entretenimento de massa; o cinema, por exemplo, cujos filmes “pipoca” precisam ter cenas cada vez mais chocantes e explosivas, sons cada vez mais altos e sofisticados pra que a platéia sinta um mínimo de “cócegas” em seus espíritos, e cujos diretores precisam inventar formas mais esquisitas de bagunçar imagens, trepidar câmeras e misturar pirotecnias pra atordoar o público e ser chamado de “o novo gênio”.

Estamos vivenciando um momento crítico na arte, já que o propósito primordial da cultura de massa é causar sensações em vez de sentimentos, e chocar ou excitar em vez de emocionar. Amar é sinônimo de fazer sexo, dizem nossas grandes "estrelas", e nós só acreditamos porque é fácil... a aspirina da alegria instantânea.

Ainda que mergulhados neste pântano de miojos artísticos, sabemos sentir o outro lado, ainda que não conscientemente, e aí devemos agarrar nossas esperanças... Por que ainda conseguimos nos encantar às lágrimas com “Como Era Verde Meu Vale”, ou com “Ladrões de Bicicletas”, ou com o inacreditável e paradoxal minimalismo de “Perfume de Mulher”? Porque a riqueza neles volta-se ao humano. Neles, as câmeras não tremem, e podemos ver as pessoas. Os efeitos inexistem, e podemos sentir as pessoas. Assim o é porque a obra nunca supera o criador, e porque algumas obras tem o privilégio de mostrar os criadores. E porque a humanidade ainda nada conhece de mais belo que o espírito humano e a natureza.

A música é o caminho mais curto e direto de que nós dispomos para obter contato conosco mesmos, com nossa essência e todo o nosso conteúdo. E será que é por isso que nos distraímos enquanto a ouvimos? Por medo de ter consciência de nossos conflitos e receios? Nós, seres tolos e infelizes, temos tanto medo assim da cura?...

#16 - O lado experimental dos Beatles

2008-04-07T09:32:00.001-03:00

Os últimos meses do ano de 1966 foram o início de um marco na história do rock.

John Lennon entraria no estúdio, para encontrar seus companheiros de banda, com uma fita onde gravara algo que gostaria de mostrar. Começava aí a gravação da primeira música que integraria o histórico álbum “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band”.

John havia composto uma canção que falava sobre um orfanato em cujos campos costumava brincar quando criança. O lugar chamava-se “Strawberry Fields”, era mantido pelo Exército da Salvação e ficava bem próximo de onde Lennon morava.

A conclusão da gravação da música “Strawberry Fields Forever” não foi nada fácil. Dezenas de versões foram tentadas, e uma centena de takes experimentados. Foi então que Lennon pediu ao engenheiro de som George Martin que completasse a música juntando dois takes, que eram seus preferidos. Aparentemente seria uma tarefa comum de edição, mas havia um problema: os dois takes eram muitíssimo diferentes, inclusive na velocidade e tonalidade.

George informou a Lennon da impossibilidade da junção, mas o beatle apenas disse tranquilamente: “ah… eu sei que você pode dar um jeito nisso…” E George arranjou um jeito. Modificou a velocidade de um dos takes, de modo apenas a equiparar a tonalidade, e assim a canção foi concluída.

“Strawberry Fields Forever” é sem dúvida uma música bastante apreciada, mas tenho a impressão de que não é tanto quanto poderia. Em opinião pessoal, não sei dizer quanto da integridade da idéia musical perdeu-se em meio ao experimentalismo instrumental que marcou não só a ela, mas todo o “Sgt. Pepper’s”.

Propondo esta reflexão, postarei não só o link para o original, mas também uma versão talvez mais “pura”, feita pelo competentíssimo Ben Harper, em trabalho que integrou a trilha sonora do comovente filme “I’m Sam” (“Uma Lição de Amor”). O filme conta a história de um homem com problemas mentais que acaba tendo acidentalmente uma filha, e vê-se diante da tarefa de cuidar dela praticamente sozinho. Toda a trilha do mesmo é composta por canções dos Beatles, e a diretora afirma que assim o quis pois ao entrevistar diversos doentes mentais, percebeu que praticamente todos eles tinham os Beatles como banda favorita.

Links:

- Strawberry Fields Forever (reparem a diferença brusca que ocorre em 1:00, onde provavelmente foi feita a junção dos takes)
http://www.youtube.com/watch?v=Ywg-PdeGVL0

- Versão de Ben Harper
http://www.youtube.com/watch?v=Lcn1-6eWR98
http://www.youtube.com/watch?v=uxMzYVZmGos (cena do filme com a música)

- Michelle (essa vai de lambuja, porque foi a primeira música dos Beatles que toquei, aos onze anos):
http://www.youtube.com/watch?v=_Xl8YtgDAKc

Bom proveito!

“Let me take you down, 'cause I'm going to Strawberry Fields.

Nothing is real and nothing to get hung about.

Strawberry Fields forever.

Living is easy with eyes closed, misunderstanding all you see.

It's getting hard to be someone but it all works out.

It doesn't matter much to me.

Let me take you down, 'cause I'm going to Strawberry Fields.

Nothing is real and nothing to get hung about.

Strawberry Fields forever.

No one I think is in my tree, I mean it must be high or low.

That is you can't you know tune in but it's all right.

That is I think it's not too bad.

Always no sometimes think it's me, but you know I know when it's a dream.

I think I know I mean "Yes," but it's all wrong.

That is I think I disagree.”

#15 - "Que puxa..."

2008-04-03T08:35:00.002-03:00

Encantado pelas geniais e filosóficas tirinhas de “Peanuts” (escritas e desenhadas pelo artista norte-americano Charles Schulz) o produtor Lee Mendelson via-se diante de uma preocupante reflexão. Não tinha qualquer idéia do que deveria ser a ambientação musical de um documentário que estava criando.

Este documentário chamaria-se “A Boy Named Charlie Brown”, e falaria sobre o pior jogador de beisebol de toda a história (Charlie Brown, é claro).

Certo dia, estando dentro de um taxi, Lee Mendelson ouviu no rádio um maravilhoso jazz, e viu ali a resposta para suas dúvidas. Esta música chamava-se “Cast Your Fate to the Wind”, vencedora do Grammy em 1963, e composta pelo jazzista e pianista Vince Guaraldi.

Assim deu-se o primeiro contato entre Mendelson e Guaraldi. Este mostrou imenso interesse pelo projeto, e em menos de duas semanas executou pelo telefone uma versão do que seria a belíssima música ícone de um dos desenhos animados mais criativos e famosos de todos os tempos: “Linus and Lucy”, para a série animada “Charlie Brown and Snoopy Show”.

O estilo lúdico, direto, e ao mesmo tempo emotivo de Vince deram ao desenho uma profundidade e riqueza únicas, gerando um trabalho aclamado, regravado e homenageado por diversos jazzistas e músicos do mundo todo.

Vince Guaraldi nasceu em 17 de Julho de 1928, em São Francisco – Califórnia. Apesar de atuar como pianista desde cedo, sua primeira gravação foi lançada apenas em 1953, quando então já tinha tocado e composto com todos os grandes nomes do jazz da época.

Vince morreu extremamente jovem, aos 47 anos, num repentino ataque cardíaco, um dia após concluir seu trabalho para o especial “É o Dia da Árvore, Charlie Brown”.

As músicas apresentadas são: “Linus and Lucy”, o tema mais famoso da série; e “Greensleeves”, a música clássica em uma versão cuja sensibilidade chega a tirar o fôlego (esta precisou ser disponibilizada no 4shared).

- Linus and Lucy:

http://www.youtube.com/watch?v=JgoPl35n_AY&feature=related

- Greensleeves:
http://www.4shared.com/file/42878530/f40e7a1c/Vince_Guaraldi_-_Greensleeves__Snoopy_Soundtrack_.html

Bom proveito!

#14 - O Confeiteiro Musical

2008-04-03T08:13:00.001-03:00

Edvard Hagerup Grieg (Bergen, 15 de Junho de 1843 – Bergen, 4 de Setembro de 1907) é o mais célebre compositor norueguês, um dos mais célebres do período romântico e do mundo.

Como praticamente todos os gênios musicais, exerceu e estudou música muito cedo, por volta dos seis anos de idade.

Pode-se dizer que Grieg não teve uma carreira musical tão conturbada quanto muitos dos expoentes a que se pode agrupá-lo. Porém, sua personalidade tendia a uma introspecção depressiva, e a muitos espantava ouvi-lo dizer categoricamente que a natureza ou as paisagens deslumbrantes de sua terra não lhe diziam nada, e em nada o inspiravam. Ainda assim, paradoxalmente, suas composições são tão expressivas que chegam a transbordar tais cenários, sensações e sentimentos.

Grieg não era dado a composições longas, cheias de aproveitamentos e variações. Preferia as idéias mais diretas, e o grande pianista e compositor Franz Liszt chegou a dizer que suas músicas pareciam "bolinhos de chocolate com cobertura de creme". Uma imagem deveras sugestiva e ao menos intrigante...

As músicas apresentadas são: o terceiro movimento do “Concerto para Piano em Lá Menor”, e uma famosa composição da “Suíte Peer Gynt II”.

A primeira integra o mais conhecido concerto composto por Grieg; é uma obra belíssima, expressiva, e em especial neste movimento parece uma ascendência constante. Tristemente, poucos dias após a estréia deste concerto, Grieg perde a primeira filha, ainda bebê.

http://www.youtube.com/watch?v=LZi5OHcCld0&feature=related

A segunda (Solvejg Sang) é uma composição romântica, feita para uma peça teatral; especificamente para uma cena em que o protagonista (Peer Gynt) apaixona-se, numa festa, pela única moça que aceita dançar com ele.

http://www.youtube.com/watch?v=SWLLp7pMSN4&feature=related

Bom proveito!

#13 - Sobre sal e pedras.

2008-04-02T08:48:00.001-03:00

Era o ano de 1967. Numa sala tranquila, de suficiente privacidade, a diva brasileira Elis Regina ouvia um certo cantor e compositor a apresentar suas músicas, já que ela buscava material para um novo disco.

O humilde rapaz havia praticamente esgotado seu repertório diante de Elis, sem que ela parecesse especialmente interessada em alguma de suas criações. Quando tudo parecia acabado, Elis insiste: “Você não tem mais nada mesmo?”.

Um tanto assustado e tímido diante de tão admirável cantora, o moço resolveu que não tinha nada a perder, e resolveu mostrar uma canção ainda não totalmente pronta. Poucos instantes após começar a ouvi-lo, ela grita: “É essa, meu Deus! É essa!”.

Este moço era Milton Nascimento, e a admirável música chama-se “Canção do Sal”.

Milton Nascimento nasceu no Rio de Janeiro, em 26 de Outubro de 1942. Teve pais muito pobres e acabou sendo adotado por uma família que muito o incentivou artisticamente. Iniciou carreira como cantor de bailes aos 13 anos.

Cantou com dúzias de outros artistas, incluindo Angra, Maria Bethânia, Elis Regina, Gal Costa, Jorge Ben Jor, Caetano Veloso, Simone, Chico Buarque, Clementina de Jesus, Gilberto Gil, Sandy & Junior, Paul Simon, Peter Gabriel (com quem co-escreveu a música Breath after Breath do Duran Duran), Herbie Hancock, Quincy Jones e Jon Anderson.

Aproveito também para indicar outra obra-prima de Mílton. A canção pela qual, talvez, ele tenha tornado-se referência mundial na música (sem qualquer exagero), principalmente nos anos 60 e 70: "Travessia".

Links:

Canção do Sal
http://www.youtube.com/watch?v=5yMo-_BGfgE

Travessia
http://www.youtube.com/watch?v=Jo5UlFDTZ6g

Bom proveito!

-Canção do Sal

"Trabalhando o sal é amor é o suor que me sai
Vou viver cantando o dia tão quente que faz
Homem ver criança buscando conchinhas no mar
Trabalho o dia inteiro pra vida de gente levar

Água vira sal lá na salina
Quem diminuiu água do mar
Água enfrenta sol lá na salina
Sol que vai queimando até queimar

Trabalhando o sal pra ver a mulher se vestir
E ao chegar em casa encontrar a família sorrir
Filho vir da escola problema maior é o de estudar
Que é pra não ter meu trabalho e vida de gente levar"

-Travessia

“Quando você foi embora fez-se noite em meu viver
Forte eu sou mas não tem jeito, hoje eu tenho que chorar

Minha casa não é minha, e nem é meu este lugar
Estou só e não resisto, muito tenho prá falar

Solto a voz nas estradas, já não quero parar
Meu caminho é de pedras, como posso sonhar
Sonho feito de brisa, vento vem terminar
Vou fechar o meu pranto, vou querer me matar

Vou seguindo pela vida me esquecendo de você
Eu não quero mais a morte, tenho muito que viver
Vou querer amar de novo e se não der não vou sofrer
Já não sonho, hoje faço com meu braço o meu viver

Solto a voz nas estradas, já não quero parar
Meu caminho é de pedras, como posso sonhar
Sonho feito de brisa, vento vem terminar
Vou fechar o meu pranto, vou querer me matar”

#12 - "Hey, Blondie!"

2008-04-02T08:21:00.001-03:00

Ennio Morricone é uma lenda viva na música para cinema, nascido em Roma, a 10 de Novembro de 1928.

Compôs trilhas para mais de 400 filmes, e embora tenha sido indicado diversas vezes ao Oscar, nunca levou a estatueta. Em 2007 recebeu, então, o prêmio honorário da academia por sua carreira.

É autor de inúmeros temas antológicos, mas talvez sua maior marca no cinema tenha sido a de causar uma revolução extrema e definitiva nos “westerns”. Sua trilha para o filme “The Good, The Bad and The Ugly” (no Brasil: “Três Homens em Conflito”), talvez o western mais genial já feito, foi tão inusitada e ousada que virou a marca predominante do gênero.

Trago então um dos temas deste filme. A música chama-se “The Ecstasy of Gold”, e marca uma cena frenética, onde um dos personagens corre por entre centenas de covas, a procura de uma delas onde acredita estar uma fortuna em ouro.

A outra composição sugerida é um dos temas românticos mais bonitos e conhecidos, feito para um filme que é marco na história da sétima arte: “Cinema Paradiso”. O que muitos não sabem é que a música “Love Theme” é na verdade de autoria do filho de Ennio Morricone, Andrea. A cena que pode-se assistir no link é antológica, e mostra o protagonista assistindo a uma montagem com diversos takes de beijos e cenas românticas de filmes antigos. Já é belo demais por si mesmo, mas quem ainda não assistiu ao filme certamente não perceberá a profundidade de significado que ela tem... Portanto, vão atrás!

Links:

The Ecstasy of Gold

http://www.youtube.com/watch?v=GdNh9f2Wwm0

Love Theme
http://www.youtube.com/watch?v=wEFugVbzsSo&feature=related

Bom proveito!

Avisos Importantes

2008-04-01T10:04:00.001-03:00

Olá, amigos e amigas.

Gostaria de avisar que estas postagens são fruto de uma série de e-mails que eram enviados somente para a minha lista. Agora são postadas nesta página (para que qualquer um possa ler e ouvir) e pelo fato de já haver certo número de "edições" prontas, a atualização será bem constante pelos próximos dias. Em seguida, as postagens passarão a ser semanais.

Aqueles que quiserem receber notificação por e-mail a respeito de atualizações, podem me escrever (barcamor@yahoo.com.br)

Aproveito também para divulgar o maravilhoso trabalho teatral do qual tenho a honra e felicidade de fazer parte, como compositor da trilha. Trata-se do espetáculo "O Amor Jamais Te Esquece", uma peça teatral que tem causado inigualável transformação no coração dos espectadores, tendo em sua trama algo que modifica drasticamente os paradigmas da moral humana.

Em tempos onde a arte tornou-se um meio para banalização do que de pior existe no mundo, onde destruir a esperança das pessoas tornou-se "artístico", a Cia Operários do Palco consolidou-se em São Paulo como um oásis de esperança na arte teatral, graças sobretudo ao profissionalismo de toda a equipe e ideal de renovação desta tão deturpada forma de expressão.

Aqueles que desejarem obter informações, basta acessar ao link "Operários do Palco", logo à esquerda desta página. E trechos da trilha sonora podem ser ouvidos clicando em "Meu Trabalho" (sendo as 4 primeiras músicas)

Um grande abraço a todos!

#11 - "Pessoas dizendo sem falar... Pessoas ouvindo sem escutar."

2008-04-01T09:26:00.001-03:00

Em 1953, Nova York, dois jovens colegiais conheceram-se enquanto interpretavam os peculiares personagens da peça “Alice no País das Maravilhas”. Tendo em comum o gosto pela música, Paul Simon e Arthur ‘Art’ Garfunkel juntaram-se para cantar e tocar.

Começava aí a história de uma dupla folk antológica: Simon & Garfunkel.

A música “The Sound of Silence” foi composta para o primeiro álbum acústico, lançado em 1964. Como não houve repercussão, e as vendas foram muito ruins, Paul Simon partiu para a inglaterra, tentando embrenhar-se no circuito folk local. Mas sua empreitada durou pouco, e no ano seguinte, para sua surpresa, retornou a Nova York e encontrou a canção “The Sound of Silence” no topo das paradas, numa versão engordada com guitarras, baixo e bateria. Com este novo fôlego, a dupla uniu-se novamente e deu-se então a brilhante tragetória.

Cheguei a esta canção por intermédio de um filme honônimo, “O Som do Silêncio”, que conta a estória de um garoto que visita com a escola uma base militar com bombas nucleares. Chocado com aquela realidade, ele ingenuamente nega-se a jogar beisebol enquanto as bombas não sejam desarmadas. A partir daí, o que seria um gesto inútil de uma criança desconhecida toma proporções cada vez maiores. Um pequeno jornal local divulga a notícia do protesto do menino. Tal jornal chega às mãos de um astro do basquete, e este, comovido, adere ao protesto, negando-se a jogar. Em alguns dias, o mundo todo vê-se dominado por uma onda de silêncio.

A outra música anexada, “Bookends Theme”, é uma pequenina canção que muito marcou um dos momentos mais belos da série “Anos Incríveis”, em que o Kevin e Paul, amigos inseparáveis, brigam por conflitarem num momento muito intenso da vida de Paul, em que ele realizará seu Bar Mitzvah (ritual judaico que marca a entrada na vida adulta). No fim do episódio, sem qualquer explicação, Kevin simplesmente aparece na festa para contemplar o amigo, e dá-se uma cena em câmera lenta, mostrando cenas da festa ao som desta canção, que diz: “foi-se um tempo de inocência, um tempo de confidências. Deve ter sido há muito tempo, eu tenho uma fotografia. Preserve suas memórias: elas são tudo que lhe é deixado”.

-Links:

The Sound of Silence:

http://www.youtube.com/watch?v=YhdGkZ6Fngw

Bookends Theme:

http://www.youtube.com/watch?v=FoOJsrw5Fkc&feature=related

Bom proveito!

-THE SOUND OF SILENCE

“Hello darkness, my old friend,
Ive come to talk with you again,
Because a vision softly creeping,
Left its seeds while I was sleeping,
And the vision that was planted in my brain
Still remains
Within the sound of silence.

In restless dreams I walked alone
Narrow streets of cobblestone,
neath the halo of a street lamp,
I turned my collar to the cold and damp
When my eyes were stabbed by the flash of
A neon light
That split the night
And touched the sound of silence.

And in the naked light I saw
Ten thousand people, maybe more.
People talking without speaking,
People hearing without listening,
People writing songs that voices never share
And no one deared
Disturb the sound of silence.

Fools said i,you do not know
Silence like a cancer grows.
Hear my words that I might teach you,
Take my arms that I might reach you.
But my words like silent raindrops fell,
And echoed
In the wells of silence

And the people bowed and prayed
To the neon God they made.
And the sign flashed out its warning,
In the words that it was forming.
And the signs said, the words of the prophets
Are written on the subway walls
And tenement halls.
And whisperd in the sounds of silence.”

BOOKENDS THEME

“Time it was, and what a time it was, it was
A time of innocence, a time of confidences
Long ago, it must be, I have a photograph
Preserve your memories, they're all that's left you”

#10 - ... E verde crescia o lírio por entre os arbustos."

2008-04-01T08:56:00.001-03:00

Designou-se “Celta” todo um conjunto de diversas tribos que espalharam-se a povoar o noroeste europeu a partir de 2000 A.C. Mais tarde, a maior parte destas tribos foi conquistada pelos romanos, e sua cultura passou por sérios abalos.

Ainda assim, a música Celta atravessou o tempo, e na segunda metade do século 20 eclodiu para o mundo, embora imbuída de alguns elementos modernos.

A música sugerida vêm mostrar o lado mais essencial da música celta. Trata-se de uma interessante canção tradicional, cuja origem (como a grande maioria de nossas manifestações folclóricas) é um tanto incerta e desconhecida.

Na atualidade esta canção é executada principalmente por um homem chamado Christy Moore, por quem ela é mais conhecida. Só que a versão escolhida é especial: trata-se da performance apaixonada de um ator durante a cena de abertura do filme “Em Nome de Deus”.

O único instrumento executado aqui é o bodhrán, espécie de tambor que em 1603 era usado pelo exército irlandês como bateria de guerra para organizar a formação dos soldados. O bodhrán só popularizou-se mesmo como instrumento musical a partir de 1950, sendo utilizado por diversas bandas e grupos ao redor do mundo.

Link:

http://www.youtube.com/watch?v=YJYiJQ-jbkM

Bom proveito!

The Well Bellow The Valley

"A gentleman was passing by
He stop for a drink as he got dry
The well below the valley-o
Green grows the lily-o
Right among the bushes-o

My cup is full up to the brim
If I were to stoop I might fall in
The well below the valley-o
Green grows the lily-o
Right among the bushes-o

He said, Young maid you're swearing wrong
For six young children you had born
The well below the valley-o
Green grows the lily-o
Right among the bushes-o

If you be a man of noble fame
You'll tell to me the father of them
The well below the valley-o
Green grows the lily-o
Right among the bushes-o

There's two buried 'neath the stable door
The well below the valley-o
Green grows the lily-o
Right among the bushes-o

I'll be seven years a-ringing the bell
But the lord above may save my soul
From burning in hell
Green grows the lily-o
Right among the bushes-o"

#9 - "É qui eu tô cum a unha lascada, di modo que ceis disculpe qualquer erro..."

2008-03-31T08:21:00.001-03:00

Elomar Figueira Melo (1937), setentão do sertão de Vitória da Conquista, teve infância miserável, mas a pobreza ficou apenas no material. Desde a adolescência, misturava-se com os cantadores e intelectuais da região, e já aos dezessete escrevia suas primeiras partituras.

Elomar solidificou-se na música brasileira com um estilo em que o erudito dita as regras, mas em que a beleza das canções acaba por criar uma sutil parcela de popularidade, alcançando não só um público mais esclarecido, mas também indivíduos que estejam tangendo um patamar acima do popular simplório. Sobre ter uma relativa fama, mas ainda estar muitíssimo longe das massas, Elomar é bastante enfático:

"Nunca tive intenção de que minha música fosse profanada pelas massas. O povo é alimento para políticos demagogos, já viu uma turba atrás do trio elétrico? Não é gente, é um rebanho, uma manada de zebras".

Contrariando muitos dos artistas populares brasileiros, aos quais facilmente atribuímos papéis políticos (e até os próprios o fazendo através de suas músicas), Elomar afirma que a arte deve ser um meio de expressão do universo do artista e de Deus. Assim sendo, suas belíssimas canções são sempre um turbilhão inflamado de cenários vistos e histórias vividas... As dores da seca, o rio Gavião, as andanças de cantoria... e a puríssima linguagem de sua nataleza (como ele mesmo diria...).

Bom proveito!

Elomar – Campo Branco” (cantado por Alba Graça):

http://www.youtube.com/watch?v=V7hvmi3iBAU

“Campo branco minhas penas que pena secou

Todo o bem qui nóis tinha era a chuva era o amor

Num tem nada não nóis dois vai penano assim

Campo lindo ai qui tempo ruim

Tu sem chuva e a tristeza em mim

Peço a Deus a meu Deus grande Deus de Abraão

Prá arrancar as penas do meu coração

Dessa terra sêca in ança e aflição

Todo bem é de Deus qui vem

Quem tem bem lôva a Deus seu bem

Quem não tem pede a Deus qui vem

Pela sombra do vale do ri Gavião

Os rebanhos esperam a trovoada chover

Num tem nada não também no meu coração

Vô ter relampo e trovãoMinh'alma vai florescer
Quando a amada e esperada trovoada chegá

I antes da quadra as marrã vão tê

Sei qui inda vô vê marrã parí sem querer

Amanhã no amanhecer

Tardã mais sei qui vô ter

Meu dia inda vai nascer

E esse tempo da vinda tá perto de vim

Sete casca aruêra contaram prá mim

Tatarena vai rodá vai botá fulô

Marela de u'a veis sóPrá ela de u'a veis só.”

“Elomar – Arrumação” (pelo próprio):

http://www.youtube.com/watch?v=at8rvHhMesY

“Josefina sai cá fora e vem vê

Olha os forro ramiado vai chuvê

Vai trimina riduzi toda criação

Das bandas de lá do ri gavião

Chiquera pra cá já ronca o truvão

Futuca a tuia, pega o catadô

Vamo planta feijão no pó

Futuca a tuia, pega o catadô

Vamo planta feijão no pó

Mãe purdença inda num cuieu o ai

O ai roxo dessa lavora tardã

Diligença pega panicum balai

Vai cum tua irmã, vai num pulo só

Vai cuiê o ai, o ai da tua avó

Lua nova sussarana vai passá

Sêda branca, na passada ela levô

Ponta d´unha, lua fina risca o céu

A onça prisunha, a cara de réu

O pai do chiquêro a gata comeu

Foi um trovejo c´ua zagaia só

Foi tanto sangue que dá dó

Os cigano já subiro bêra ri

É só danos, todo ano nunca vi

Paciênca, já num guento as pirsiguição

Já só caco véi nesse meu sertão

Tudo que juntei foi só pra ladrão.”

#8 - Andando no Ar

2008-03-31T08:08:00.002-03:00

Trago agora a canção “Walking In The Air”, de autoria total (letra e música) do compositor e maestro inglês Howard Blake, conhecido por seu trabalho em “Flash Gordon” e “Os Duelistas”.

A música em questão foi feita como parte da trilha sonora do belíssimo curta animado “The Snowman” (“O Homem de Neve”), produzido em 1982, baseado no livro honônimo de Raymond Briggs.

O desenho é praticamente uma obra-prima, sem nenhum diálogo (apenas música e sons) e feito ao estilo das gravuras clássicas. A estória conta de um menino que, na época de Natal, fica fascinado pela quantidade de neve que encontra numa manhã, e cria um boneco pelo qual passa a sentir um imenso fascínio. Durante o resto do dia, não consegue tirar os olhos dele, e no meio da noite, saindo para observá-lo, percebe estranhas luzes, e de repente o boneco ganha vida.

A partir daí, os dois aprontam de tudo madrugada afora, até o momento chave onde o homem de neve pega impulso e leva o menino para voar, ao som de “Walking In The Air”, único momento em que há palavras no filme.

Tamanha é a beleza da canção que até os dias de hoje é gravada e regravada por artistas em todo o mundo, sendo utilizada especialmente em coletâneas de Natal.

O desenho foi premiado com o BAFTA e indicado ao Oscar.

Link:

http://www.youtube.com/watch?v=aR1Ln-ctn5E

O curta na íntegra:
http://www.youtube.com/watch?v=ponB8Hd_lG4

Bom proveito!

LETRA:

“We're walking in the air

We're floating in the moonlit sky

The people far below are sleeping as we fly

We're holding very tight

I'm riding in the midnight blue

I'm finding I can fly so high above with you

Far across the world

The villages go by like trees

The rivers and the hills

The forest and the streams

Children gaze open mouth

Taken by surprise

Nobody down below believes their eyes

We're surfing in the air

We're swimming in the frozen sky

We're drifting over icy

mountains floating by

Suddenly swooping low on an ocean deep

Arousing of a mighty monster from its sleep

We're walking in the air

We're dancing in the midnight sky

And everyone who sees us greets us as we fly”

#7 - Viscoso, mas gostoso!

2008-03-29T08:29:00.001-03:00

Quando o mega-sucesso da Disney “O Rei Leão” começou a ser produzido, quase nenhum artista do estúdio botava fé no projeto. Na verdade, toda a “elite produtiva” estava trabalhando em “Pocahontas”, que julgava-se ser um futuro grande êxito. Todos sabemos hoje que a história inverteu-se, e “O Rei Leão” tornou-se uma das obras-primas mais aclamadas da Disney, tendo brilho especial, ainda, por ser a primeira estória original produzida pelo estúdio. Todos os longas animados anteriores foram baseados em fábulas já muito conhecidas pelo público.

A brilhante abertura do filme, sem narrações – apenas uma canção e uma seqüência sem diálogos – não era originalmente assim. Seria uma cena padrão, com falas que explicariam o que a canção já dizia. Aconteceu que um homem tomou a canção composta por Elton John “Circle of Life”, e criou uma versão totalmente inusitada e impactante, com elementos que incluíam um brilhante grupo vocal africano (que pode ser percebido em várias partes musicais do filme). Impressionados, os produtores sabiam já ter ali a abertura.

Este homem era Hans Zimmer, compositor alemão que desde o tema para “Rain Man” veio consolidando-se como um dos grandes nomes da trilha sonora mundial.

Elton John recebeu Oscar por uma canção de “O Rei Leão”, e Hans Zimmer também o recebeu pela composição da trilha incidental. É uma peça desta que irei sugerir:

“Hans Zimmer – This Land (O Rei Leão)”

Aqueles que estão perfeitamente familiarizados com o filme perceberão que esta faixa inicia-se com o tema ligado à paisagem da Pedra do Rei: algo leve, suave. Mas gostaria mesmo de chamar atenção à inusitada transição que ocorre aos 00:46 segundos da faixa. Aqui, tem início o que vejo como uma das mais belas melodias já criadas por Zimmer, que é o tema que permeia a relação entre Mufasa e Simba (pai e filho). Curioso que este tema é utilizado para criar uma profundidade emocional nos momentos em que os dois estão juntos, e após criado este laço, o tema torna-se quase devastador quando surge na cena em que Mufasa morre, e Simba vê-se impotente diante de seu corpo.

Diz-se que a composição tem elementos do Réquiem de Mozart.

Link:

http://www.youtube.com/watch?v=xTKUBF-JIYc

Hakuna Matata para todos!

#6 - Mistérios da Cadeira de Prata

2008-03-29T08:09:00.001-03:00

Tudo começou quando três garotos australianos que nem tinham 15 anos de idade e tampouco algo divertido para fazer, resolveram juntar-se para formar uma banda.

Assim começa a história musical do compositor e guitarrista Daniel Johns, que além de extraordinário talento e sensibilidade musical, imprime um estilo poético singular em suas letras, com predomínio de metáforas muito fortes. A emoção que se expressaria em ventos, chuvas, o sol e outros elementos mais vagos, é por ele verbalizada com intensidade na forma de figuras fortes, como: “É muito difícil vestir o coração pela manga”, “Estava com medo, me alimentei, limpei o armário e matei a vergonha”, “Pego pedras e as atiro nos corpos pra sacudir lama”, “Nós crescemos antes de atravessar todas as janelas”, “Olhar tão de perto alguém tão próximo é demais do insuficiente”, “Palavras não dizem os sons que quero ouvir”, “A luz das minhas horas mais escuras é o medo”, “Abracei o ombro doente de um homem”, “É minha hora de brilhar como atum na salmoura”, “Me ame pela minha mente, pois sou um coração perigoso”, “Todas as pontes do mundo não vão salvá-lo se não houver um outro lado”, e por aí vai...

A música “Across The Night” é parte integrante do álbum “Diorama”, que é o trabalho da banda em que Daniel Johns teve seu ápice criativo, a se notar sua especial habilidade para dar caminhos harmônicos inusitados às composições. Tal fato certamente deveu-se a ser o primeiro álbum lançado após ter terminado o contrato com a gravadora anterior, que limitava o gênio de Daniel por impor-lhe um estilo mais “comercial”.

Esta canção me era um mistério. Logo de início a sonoridade orquestral parecia descrever um trajeto animado por Las Vegas, ou uma dessas coisas pseudo-glamurosas, mas a letra estranhamente fala sobre alguém que vivia uma vida mecânica, mas que à noite deixava toda sua fantasia ganhar vida através dos sonhos. Até que ao ler o livro “De Vagões e Vagabundos”, de Jack London, um trecho pareceu fornecer a primeira chave para o significado. Nele, um rapaz pára e observa o sol nascendo, logo antes de entrar na fábrica, e diz que aquilo era tudo que veria do céu até a hora de sair de lá. Isto parece corresponder ao trecho da letra da canção que diz: “nunca vi a luz do sol de pontos mais altos que seu nascer”. A segunda chave para a questão foi encontrada ao assistir ao clipe da música. Ele remete-nos aos tempos do cinema mudo, com suas interpretações exageradas, e mostra realmente um homem que trabalha mecanicamente numa fábrica. Em dado momento, ele aparece puxando continuamente uma alavanca, como um robô, e tal imagem me pareceu muito semelhante aos viciados nas máquinas de moedas de Las Vegas.

Muito do trabalho de Daniel diz sobre sua vida e seus problemas. Devido ao fato do Silverchair ter feito um sucesso tão estrondoso quanto repentino assustou o garoto na época, e sua falta de preparo psicológico para o processo causou-lhe problemas sérios, como anorexia e depressão. A pressão era tanta que aos 17 ele morava sozinho, e ficava trancado em casa incomunicável: não tinha telefone, pois morria de medo que alguém ligasse para ele contratando-o para algum show.

Superada esta fase, Daniel continuou o que amava fazer, mas alguns anos depois teve uma artrite rara, que o deixou quase que 100% paralisado numa cama por meses. Sobre este fato ele compôs uma música muito bela e recheada de certo humor, em que um personagem peculiar conta sobre um cientista maluco, numa casa cheia de mistérios em que foi vítima de experimentos científicos (“Horror With Eyeballs”, gravada com a banda “The Dissociatives”).

Links:

- Across The Night:

http://www.youtube.com/watch?v=h7dGlFgw12I

- Horror With Eyeballs:

http://www.youtube.com/watch?v=penG5_T9Ns0

http://www.youtube.com/watch?v=MW6irmaVQpo&feature=related (live)

Bom proveito!

“Across The Night

Across the night

It was the moon that stole my slumber

Across the night

I fell in love with people sleeping

And hugged a man's arthritic shoulder

I fell tired, asleep in a golden ocean

Your eyes perspired, a spike in my fascination

I don't mean to make you cry

But this feeling will run right through the night

And I'll only make you cry with these feelings

Sleepless, untamed

without a leash on the light around me

So let us be married and have another baby

Coz I don't wanna be lonely I just wanna be alone

Yeh let's just get married shouting baby, baby, babies

"You'll never sleep at all"

But I don't wanna be lonely

Never seen the sunshine

From higher points than sunrise

I don't wanna be lonelyI just wanna be alone”

“Horror With Eyeballs

Behind this gold picket fence lies a whole institute
where wallpaper painters scrape and scarecrows swell waterlogged,
now i got dead time on my hands
for feeding my animals,

All of this time on my hands
so far has gone to feeding my animals

On this dark kissed day the light shines through only you
or is it because your silhouette is your frame like an empty window,
now i got cold time up my sleeve, i’m feeling destitute,

All of this time on my hands
so far has gone to feeding my animals

I feel root vegetable! am i dead?
or buried alive? i sleep warm velvet wand,
buy the night…i’m selling the sun, my skin feels
silky smooth now i’m buried in mud

all of this time on my hands,
so far has gone to feeding my animals,
all of that time i was dead,
limbless in bed, sedated experiment.”

#5 - Ah... L'amour...

2008-03-28T08:39:00.001-03:00

Um homem foi chamado para servir na Segunda Guerra Mundial, deixando um lugar vazio diante do órgão da igreja da pequena comunidade francesa de Fontenay-le-Comte. Seu filho André Popp preencheu o cargo, e assim começou a carreira de um músico de tremenda influência e inspiração para diversos dos grandes compositores franceses.

André Popp, nascido em 19 de Fevereiro de 1924, estudou música no Instituto Saint Joseph, e entre seus trabalhos mais comoventes destaca-se um livro chamado “Piccolo, Sax and Co”, um conto infantil que ensina às crianças noções sobre os instrumentos de orquestra e harmonia.

Em 1960, compôs (com letra de Pierre Cour) a canção que viria a projetá-lo mundialmente: “L’Amour Est Bleu”. Primeiro, a canção conseguiu apenas o 4º lugar num concurso europeu, mas na interpretação de Vicky Leandros ganhou o topo dos afetos no continente. Em seguida, alcançou fama nas américas na versão instrumental do maestro Paul Mauriat.

Aqui no Brasil, talvez ela seja apenas um xodó piegas de casamentos.

Aí vão os links para as duas versões mais significativas desta maravilhosa música:

- “Vicky Leandros – L’Amour Est Bleu”

http://www.youtube.com/watch?v=tIH7mjqhkiw

- “Paul Mauriat – Love Is Blue” (instrumental)

http://www.youtube.com/watch?v=0_2qty7GptU

Bom proveito!

Letra:

“Doux, doux, l'amour est doux

Douce est ma vie, ma vie dans tes bras

Doux, doux, l'amour est doux

Douce est ma vie, ma vie près de toi

Bleu, bleu, l'amour est bleu

Berce mon cœur, mon cœur amoureux

Bleu, bleu, l'amour est bleu

Bleu comme le ciel qui joue dans tes yeux

Comme l'eau, comme l'eau qui court

Moi, mon cœur court après ton amour

Gris, gris, l'amour est gris

Pleure mon cœur lorsque tu t'en vas

Gris, gris, le ciel est gris

Tombe la pluie quand tu n'es plus là

Le vent, le vent gémit

Pleure le vent lorsque tu t'en vas

Le vent, le vent maudit

Pleure mon cœur quand tu n'es plus là

Comme l'eau, comme l'eau qui court

Moi, mon cœur court après ton amour

Bleu, bleu, l'amour est bleu

Le ciel est bleu lorsque tu reviens

Bleu, bleu, l'amour est bleu

L'amour est bleu quand tu prends ma main

Fou, fou, l'amour est fou

Fou comme toi et fou comme moi

Bleu, bleu, l'amour est bleu

L'amour est bleu quand je suis à toi

L'amour est bleu quand je suis à toi”

#4 - Jethro Tull - Beside Myself

2008-03-28T08:26:00.001-03:00

Ian Anderson, nascido na Escócia em 1947, sem qualquer dúvida é o único responsável pelo fato da banda Jethro Tull ser um dos maiores expoentes do rock progressivo de todos os tempos. Além de ser um compositor e letrista fora do comum, é exímio instrumentista, tendo sido autodidata em flauta e violão, instrumentos com os quais consegue uma execução incrivelmente própria, e do quais extrai sonoridades inusitadas mas nunca gratuitas.

Esta música sugerida foi composta por Ian após uma viagem a Bombaim, a maior cidade da Índia. Lá, naturalmente chocado com as condições e conflitos de um país problemático, flagrou algo que para nós, hoje, é uma realidade muito comum (ainda que hedionda), mas que para um escocês da época, que viveu sempre em lugares de relativa civilidade, foi um choque inesquecível: a prostituição de uma menina de pouco mais de dez anos.

A expressão "Beside Myself", título da canção, significa "Fora de Mim". É a típica situação em que algo ocorre de tão intenso que nos golpeia a ponto de tirar-nos a estabilidade cotidiana. Apesar de doloroso, estes golpes são muitas vezes úteis, pois só assim a maioria das pessoas sente-se impelida a tomar atitudes que mudam as coisas a seu redor, consequentemente influindo no mundo para melhor.

Não sei se esta canção mudou a vida de alguém para melhor, talvez tenha entristecido algumas. Mas qualquer coisa vale muitíssimo mais que a alienação e a apatia...

Pode-se perceber na música uma intercalação entre momentos intensos e momentos singelos; nela, a inocência não está perdida. A guitarra tem um arranjo intermitente e cambaleante; o violão inicial, executado por Ian, preenche todo o espaço auditivo com frases lançadas ao espaço. Façamos o que quisermos com elas.

Se quiser só achar bonito, esteja à vontade.

Link:
http://www.youtube.com/watch?v=EyjN2FFE05M

Bom proveito!

"JETHRO TULL - BESIDE MYSELF"

Small child messing down, messing down.
in the streets of Bombay.
Cities like this have no shame, no shame;
indeed, why should they?

Out in the middle distance, several tragedies are playing.
I'm beside myself.
Big sister, can you hear him, can you hear him?
I'm beside myself.
Big sister, can you see him cry, see him cry?
I'm beside myself.
I saw you taking money in the shadows
in the shadows by the station there.

I'll wish you up a silver train
to carry you to school, bring you home again.
Strip off that work paint and put a cleaner face on.
I'm beside myself.

Hollow faced mother with her babe in arms,
babe in arms-looks through me.
Behind forgotten charms,
forgotten charms to soothe me.
Between the guilt and charity
I feel the wimp inside of me.

I'm beside myself.
Out in the middle distance, still more tragedies are playing.
I'm beside myself.
I'm so proud of you
Swimming up from the deep blue.
Which one of me do you run to?
I'm beside myself.

Outros clássicos da banda:

- "Aqualung"
- "Locomotive Breath"
- "Songs From The Wood"
- "Nothing Is Easy"
- "Heavy Horses"
- "Too Old For Rock'n Roll, Too Young Too Die"

#3 - Violeta Parra - Volver a Los 17

2008-03-27T16:00:00.001-03:00

Violeta Parra (1917 - 1967) é considerada a maior folclorista do Chile, bem como fundadora da música popular chilena. Estudou música como autodidata logo aos nove anos, e posteriormente passou a compor canções que moveram as massas revolucionárias do país.

Violeta viajou muito quando tornou-se compositora e cantora reconhecida, mas foi sua viagem à Argentina que rendeu-lhe grande sucesso, não só por sua obra em si, mas por ter encantado a diva Mercedes Sosa, por quem tornou-se muito mais popular, já que esta emprestou às canções mais belas de Violeta sua voz quente e apaixonada.

Nesta versão sugerida aqui a obra tem uma estondeante instrumentação orquestral. A paixão e encanto latino aqui se apresentam em sua verdadeira forma: a forma musical. É música de almas humanas, não de cabelos, corpos e roupas (ou falta delas...).

Link:

http://www.youtube.com/watch?v=ywi7HFLEi0c&feature=related

Bom proveito!

"Volver a los diecisiete

después de vivir un siglo

es como descifrar signos

sin ser sabio competente,

volver a ser de repente

tan frágil como un segundo,

volver a sentir profundo

como un niño frente a Dios,

eso es lo que siento yo

en este instante fecundo.

Se va enredando, enredando,

como en el muro la hiedra,

y va brotando, brotando,

como el musguito en la piedra.

Ay si si si

Mi paso retrocedido

cuando el de ustedes avanza,

el arco de las alianzas

ha penetrado en mi nido,

con todo su colorido

se ha paseado por mis venas

y hasta las duras cadenas

con que nos ata el destino

es como un diamante fino

que alumbra mi alma serena.

Lo que puede el sentimiento

no lo ha podido el saber,

ni el mas claro proceder

ni el más ancho pensamiento,

todo lo cambia el momento

cual mago condescendiente,

nos aleja dulcemente

de rencores y violencias,

sólo el amor con su ciencia

nos vuelve tan inocentes.

El amor es torbellino

de pureza original,

hasta el feroz animal

susurra su dulce trino,

detiene a los peregrinos,

libera a los prisioneros,

el amor con sus esmeros

al viejo lo vuelve niño

y al malo solo el cariño

lo vuelve puro y sincero.

De par en par en la ventana

se abrió como por encanto,

entró el amor con su manto

como una tibia mañana,

al son de su bella diana

hizo brotar el jazmín,

volando cual serafín

al cielo le puso aretes

y mis años en diecisiete

los convirtió el querubín."

#2 - Sobre bicicletas voadoras e Etês

2008-03-27T15:44:00.001-03:00

Trago uma música integrante de uma das mais belas e conhecidas trilhas sonoras de todos os tempos, do filme "ET - O Extraterrestre", do diretor Steven Spielberg.

A trilha, de autoria do gênio John Williams, venceu o Oscar de 1982.

Esta música (que no link indicado começa aos 4:10) inicia-se com sopros expondo-se muito ludicamente. Em seguida alguns metais leves entram na brincadeira, e as cordas iniciam uma marcação mais intensa, fazendo crescer uma espécie de tensão. Cria-se aqui uma atmosfera ao mesmo tempo bizarra e alegre, enquanto o filme mostra a rua tomada por crianças fantasiadas de tudo que é tipo de criaturas e personagens.

Subitamente (em 4:54), o oboé inicia uma quebra na estrutura, com uma frase suave e fluída, seguida por uma resposta do piccolo. A música transmuta-se então completamente, com a trompa delineando uma belíssima tragetória de altos, baixos e curvas, causando um pressentimento excitante do vôo, intensificado pela entrada dos cellos e violinos (em 5:20). A sensação causada por este trecho, de subidas e descidas melódicas drásticas, parece ser o medo frenético de algo que está para voar pela primeira vez. O ápice, então (em 5:59), descreve a decolagem da bicicleta de Elliot, com a criatura ao cesto. E lá vão eles para desenhar uma das cenas mais antológicas, com a silhueta deles pedalando diante de uma lua imensa e deslumbrante.

Tenho uma ligação fora do comum com este filme, e óbvio: com a música dele. Nenhuma música já me causou a sensação que esta trilha causa. Talvez seja porque foi o primeiro filme que vi na vida, e que vi no cinema. Não devia ter completado nem um ano de idade ainda, mas lembro de estar no colo de alguém.

Ou talvez ela seja apenas maravilhosa...

Link:

http://www.youtube.com/watch?v=8ER3r5nXkNc

Bom proveito!

#1 - Elton John - Goodbye Yellow Brick Road

2008-03-27T10:02:00.001-03:00

A letra, escrita por Bernie Taupin (autor de grande parte das letras de Elton) é uma mistura entre duas histórias: sua própria, falando de sua tristeza em deixar o local onde passou a infância para morar na cidade grande, e a de Elton, enfrentando as consequências de ser um músico precoce.

O título parece remeter-se à clássica estória "O Mágico de Oz", onde a personagem Dorothy deve percorrer uma estrada de tijolos amarelos (yellow brick road) para encontrar o Mágico, que pode fazê-la voltar para casa.

Sua carga emocional é tamanha para seus autores, apesar da singeleza da canção, que Elton deixou-a fora de seus shows por cerca de dez anos, temendo incapacidade para interpreta-la devidamente.

Link:
http://www.youtube.com/watch?v=43Ho_6C_fM4

Bom proveito!

"When are you going to come down?
When are you going to land?
I should have stayed on the farm,
Should have listened to my old man.

You know you can't hold me forever,
I didn't sign up for you.
I'm not a present for your friends to open,
This boy's too young to be singing the blues.

So goodbye, Yellow Brick Road,
Where the dogs of society howl.
You can't plant me in your penthouse,
I'm going back to my plough.

Back to the howling old owl in the woods,
Hunting the horny back toad,
Oh, I finally decided my future lies
Beyond the Yellow Brick Road.

What do you think you'll do then?
I bet that'll shoot down your plane.
It'll take you a couple of vodka and tonics
To set you on your feet again.

Maybe you'll get a replacement,
There's plenty like me to be found,
Mongrels who ain't got a penny
Sniffing for tit-bits like you on the ground."